Die 25 größten Schauspieler des 21. Jahrhunderts (bisher)

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Chamäleons oder Schönheiten, Starturniere oder Charakterrollen – das sind die Darsteller, die in den letzten 20 Jahren alle anderen auf der großen Leinwand in den Schatten gestellt haben.

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Wir befinden uns in einem goldenen Zeitalter der Schauspielerei – machen Sie dieses Platin – wie wir festgestellt haben, als wir uns entschieden haben, unsere Lieblingsfilmdarsteller der letzten 20 Jahre auszuwählen. Es gibt keine Formel für die Auswahl der Besten (nur Streitereien), und diese Liste ist sowohl notwendigerweise subjektiv als auch möglicherweise skandalös in ihren Auslassungen. Einige dieser Darsteller sind neu in der Szene; andere gibt es schon seit Jahrzehnten. Bei unseren Entscheidungen haben wir uns auf dieses Jahrhundert konzentriert und über Hollywood hinausgeschaut. Und während es sicherlich Stars und sogar ein paar Oscar-Gewinner gibt, gibt es auch Charakterdarsteller und Chamäleons, Action-Helden und Arthouse-Lieblinge. Das sind 25 Gründe, warum wir Filme immer noch lieben, vielleicht mehr denn je.

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Gael Garcia Bernal

MANOHLA DARGISWenn Alejandro González Iñárritus Thriller Amores Perros und Alfonso Cuaróns Roadmovie Und deine Mutter auch im Abstand von einem Jahr in amerikanischen Kunsthäusern veröffentlicht wurden, waren die Erschütterungen seismisch. Ihre Regisseure rasten bald zu internationalem Ruhm, ebenso wie Gael García Bernal, ihr gemeinsamer Star. Er war begabt, hielt den Bildschirm und hatte ein Gesicht, das man immer wieder ansah, auch weil es – mit seinen Rehaugen und seinem Laternenkiefer – nahtlos die Ideale weiblicher und männlicher Schönheit verschmolz.

Dieser Kontrast war nicht besonders offensichtlich in Liebe Hunde (2001), aber es hilft, das wärmere Y Tu Mamá También (2002) zu bereichern, eine gefühlvolle Coming-of-Age-Geschichte, die mit einem Schrei beginnt und mit einem Seufzer endet. García Bernal spielt Julio, einen Teenager aus der Arbeiterklasse auf Entdeckungsreise (des Selbst, der anderen). Zusammen mit seinem besten Freund (gespielt von Diego Luna) stolpert Julio achtlos durch das Leben, bis er es nicht mehr tut. Als die Heiserkeit der Geschichte verstummt, verblasst Julios jugendlicher Machismo, ersetzt durch die Nachdenklichkeit, die der Schauspieler so physisch macht, dass man sieht, wie sich die Figur in sich selbst zurückzieht.

Bis 2004 war García Bernal in Walter Salles’ Die Motorradtagebücher als junger Che Guevara und spielte ein doppelzüngiges Chamäleon in Pedro Almodóvars Schlechte Bildung. Almodóvar versetzte den Schauspieler in High Heels, um eine noirische Femme Fatale zu spielen, eine Rolle, die García Bernal anscheinend nicht sehr mochte, die seine Persönlichkeit jedoch mit einem Lippenstiftschmieren und einer psychologischen Kälte vertiefte, die neue Schocks auslöste.

A. O. SCOTTIn Pablo Larraíns Nein (2013) spielt García Bernal mit gewohntem Charme Rene Saavedra, einen angesagten jungen Werbekreativen im Chile der 1980er-Jahre. Er ist cool, aber nicht einschüchternd; im gleichen Maße gut aussehend; lustig, aber nicht bis zur Abscheulichkeit; selbstbewusst, aber kein Idiot. Zunächst werden sowohl Rene als auch García Bernal leicht unterschätzt, ihre lässige, bescheidene Natürlichkeit mit einem Mangel an Gravitas oder Handwerk zu verwechseln. Rene wird von einer Gruppe oppositioneller Parteien angeworben, um Fernsehspots zu produzieren, die ein Nein zu einem Referendum zur Verlängerung der Diktatur von Augusto Pinochet unterstützen. Renes Job ist es, Ablehnung als optimistische Entscheidung zu verkaufen, die Brutalität von Pinochets Regime anzuerkennen und sich gleichzeitig auf die glückliche Zukunft ohne ihn zu konzentrieren. Obwohl Rene an die Sache glaubt, sieht er es auch als Marketing-Herausforderung an, und sein Gerangel mit Kunden, Kollegen und Rivalen hat eine gewisse Mad Men-Atmosphäre.

García Bernal stellt die dramatische Verbindung zwischen den Banalitäten des Mediengeschäfts und dem Terror der politischen Repression her, und das fast ausschließlich mit seinen Augen. Eines Nachts wird die Wohnung, die er mit seinem kleinen Sohn teilt, im Schlaf verwüstet, und in diesem Moment verflüssigt sich Renes knackiger Entschluss zu purer Angst. Am nächsten Tag ist er wieder bei der Arbeit, und sowohl er als auch das Publikum haben ein neues und tiefes Verständnis davon, was die Arbeit bedeutet.

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Sonia Braga

MANOHLA DARGISIch habe gerade Aquarius (2016) für unsere Ode an Sônia Braga noch einmal gesehen. Für diejenigen, die es noch nicht gesehen haben: Braga spielt Clara, eine Schriftstellerin, deren Wohnung dem Atlantik zugewandt ist. Der größte Teil der Geschichte handelt von Clara, die ihr Leben lebt, während sie ihren Vermieter verprügelt. Braga fügt sich nahtlos in den wunderbar schnörkellosen Realismus des Regisseurs Kleber Mendonça Filho ein. Dieses Mal, während ich den Film ansah, bemerkte ich jedoch – teilweise veranlasst durch, ähem, einen Kapiteltitel namens Clara’s Hair –, wie Braga ihren opulenten Haarvorhang immer wieder neu arrangierte. Und als sie es auf- und wieder herunterfegte, wurde mir klar, dass Mendonça nicht nur einen Charakter präsentiert, sondern auch die Legende, die sie spielt.

A. O. SCOTTEs ist eine Erinnerung – unterschwellig und dreist zugleich – dass Braga in den 1970er und 1980er Jahren in Brasilien und darüber hinaus eine große Sache war, die Antwort ihrer Nation auf Sophia Loren. Ihre Filme mit Mendonça (in diesem Jahr auch Bacurau Aquarius) greifen diese Geschichte auf und nutzen ihr Charisma der alten Schule aus. Aber sie sind nicht nur Star-Turns der späten Karriere. Clara ist nicht Sonia Braga: Sie ist eine sehr spezifische Frau mit ihrer eigenen Erfolgsgeschichte, Liebesaffären und Reue. Aber nur eine Darstellerin mit Bragas absolutem Selbstbewusstsein, ihrer heroischen Gleichgültigkeit gegenüber dem, was andere von ihr halten, könnte Clara zum Leben erwecken.

DARGISAber was ich dieses Mal an Wassermann faszinierend fand, ist, dass Clara Auch Braga, in dem Sinne, dass die Bedeutung der Figur teilweise von allem geprägt wird, was Braga mitbringt, wenn sie auf der Leinwand ist, einschließlich ihrer Geschichte im brasilianischen Kino als Frau gemischter Abstammung sowie ihrer Abenteuer in Hollywood. Es hat etwas fantastisch Befreiendes, Braga diese majestätische Frau zu sehen, die sichtbare Falten hat und nach ihrer Mastektomie nie eine Brustrekonstruktion hatte. Das gilt insbesondere angesichts der Tatsache, dass Braga einst als Sexstar versklavt wurde. Es gibt nichts anderes, als sie zu nennen, schrieb einmal ein männlicher Kritiker – nun, man könnte sie eine Schauspielerin nennen.

SCOTTGanz anders äußert sich ihr Können in Bacurau dieses Jahr eine wahnsinnig phantastische (und gewalttätige) Science-Fiction-Allegorie auf Brasilien in der Krise, die vom Realismus der anderen Filme Mendonças abweicht, ohne ihre politische Leidenschaft oder ihren Humanismus aufzugeben. Braga, Teil eines weitläufigen Ensembles mit Laiendarstellern, ist dafür unverzichtbar. Sie spielt Domingas, eine Kleinstadtärztin mit einem Alkoholproblem und einer manchmal aggressiven Persönlichkeit – eine entglamorisierte, komische Rolle, die niemand sonst mit solcher Tiefe und Anmut hätte bewältigen können. Oder wie Mendonça es ausdrückte: In einer Sinfonie wäre sie das Klavier.

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Mahershala Ali

A. O. SCOTTMahershala Ali hat eines der großen Gesichter moderner Filme – diese geformten Wangenknochen, diese hohe, nachdenkliche Stirn, diese melancholischen Augen. Seine Präsenz vor der Kamera ist magnetisch, aber auch wachsam und schlau. Seine Charaktere neigen zu Zurückhaltung und Zurückhaltung, aber ihre Zurückhaltung ist eine eigene Form der Beredsamkeit, ihr Flüstern ist klangvoller als jedes Geschrei.

Ali hat zwei Oscars als bester Nebendarsteller gewonnen. Der erste war für Moonlight (2016), in dem er leise ein dauerhaftes Hollywood-Stereotyp zerstörte. Juan ist ein Drogendealer, eine Figur der Zerstörung der Gemeinschaft und impliziter Gewalt. Was ihn jedoch ausmacht, ist seine Sanftmut, die bedingungslose Freundlichkeit, die er Chiron, dem jungen Protagonisten, entgegenbringt. Juan hört dem Jungen zu; er beantwortet seine Fragen; In einer der bewegendsten Szenen des Films bringt er ihm das Schwimmen bei.

Und dann, zwischen dem ersten und zweiten Akt, verschwindet er. Aber Ali verfolgt den Film auch nach seiner Abreise. Er ist sowohl sein tragisches, nährendes Bild der Männlichkeit als auch der erste Mann, der Chirons Liebe würdig ist.

MANOHLA DARGISAli wurde zum ersten Mal in der Netflix-Serie House of Cards auf mich aufmerksam. Er spielte Remy Danton, einen Washingtoner Anwalt, dessen wissendes kleines Lächeln wie eine Warnung aufflackern konnte und die Gefahr in seiner Welt signalisierte. Remy trat in der zweiten Episode in einer Szene in einem Restaurant auf, in der die Hauptfigur Frank Underwood (Kevin Spacey) mit zwei anderen Machtvermittlern isst. Remy steht nicht über den sitzenden Männern, er ragt auf. Sie wissen, dass Underwood eine schlechte Nachricht ist, aber als der Regisseur David Fincher zu Remys Gesicht schneidet, ändert Ali abrupt die Temperatur, indem er seine umgängliche Fassade für hautprickelnde Vorsicht senkt und deutlich macht, dass er nicht mit einem Mann spricht, sondern mit einem Raubtier .

Ich war so daran gewöhnt, Ali in einem maßgeschneiderten Anzug (und manchmal auch draußen) zu sehen, dass ich ihn in Moonlight zuerst nicht erkannte. Es waren nicht nur die verschiedenen Kleiderschränke, sondern die genaue Haltung, die Ali jedem Mann gab, Variationen der Körper, ja, aber auch die Art und Weise, wie diese Körper sich bewegen und bedeuten. In House of Cards fließt Remy und es gab Momente, in denen ich dachte, ich schaue mir den nächsten James Bond an. In Moonlight erschafft Ali eine titanische Figur, deren Kraft auch nach seinem Verschwinden aus dem Film weiter nachhallt. Der Schauspieler schafft einen sehr unterschiedlichen Charakter in Grünes Buch (2018, sein zweiter Oscar-Gewinner), diesmal mit einer Performance – als Musiker Don Shirley, den Ali als Mann und verteidigte Festung spielt –, die den Film übertrifft.

SCOTTIch würde fast sagen, dass die Performance das Gegenteil des Films ist. Ali ist anmutig, witzig und selbstbewusst, während Green Book ungeschickt, witzig und blind für seine eigenen Unempfindlichkeiten ist. Ich bin mir nicht sicher, ob ein anderer Schauspieler die berüchtigte Brathähnchen-Szene mit so hinterlistiger Würde hätte bewältigen können. Dass Green Book und Moonlight beide Gewinner des besten Films waren, spricht für die Widersprüche unseres kulturellen Moments, aber es ist ein Beweis für Alis Talent, dass sein subtiles Handwerk und sein unerschütterliches Charisma zwei so unterschiedliche Filme verankern können.

Moonlight an streamen Netflix .

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Melissa McCarthy

MANOHLA DARGISWenn Kritiker Comic-Darsteller wie Melissa McCarthy anatomieren, berühren wir oft bekannte Qualitäten wie Timing, Anmut und elastische Physiognomie. Aber wir reden auch über Schauspielerei. Seit dem Übergang vom Fernsehen zum Film hat McCarthy wiederholt ihre Bandbreite demonstriert und berauschend geholfen, regressive Ideen darüber zu zerstören, wer ein Filmstar werden wird. Kein Film hat ihr bessere Dienste geleistet als Spy (2015), in dem sie Susan spielt, eine schüchterne C.I.A. Analyst, der auf eine ausgefallene Mission geschickt wird, die es McCarthy ermöglicht, zu zerkleinern und dann herrlich zu prahlen.

Wesentlich für den subversiven Spaß von Spy ist, wie es Genrekonventionen einsetzt, um McCarthys Talente zu präsentieren und gleichzeitig Stereotypen zu sprengen. Susan enthält Massen, zuerst als Selbstschutz (sie dämpft ihr Feuer) und später als Ausdruck ihrer Menschlichkeit. Auf dem Feld nimmt sie unglücklicherweise mehrere altbackene, tragisch verzogene Verkleidungen an – Variationen darüber, wie andere sie sehen – bevor sie sich in eine sexy, über Trash sprechende Fantasie ihres eigenen Designs verwandelt. Als Susan ihr Haar und ihre Hemmungen herunterlässt, lässt McCarthy los. Ihre Stimme dröhnt, ihre flatternden Hände ballen sich zu Fäusten, ihr Kewpie-Puppengesicht geht voll auf Medusa. McCarthy spielt nicht eine einzige Frau – sie ist uns alle, mit aller Macht.

A. O. SCOTTLee Israel ist lustig. Sie teilt einen schnellen und wütend aggressiven verbalen Witz mit einigen von McCarthys anderen Kreationen, wie Tammy in Tammy (2014) und Mullins in Die Hitze (2013). Aber Lee war eine echte Person und kannst du mir jemals vergeben? (2018) ist nicht gerade eine Komödie. Es ist auch kein Biopic, sondern ein sehr spezifisches Stück des New Yorker queeren und literarischen Lebens des späten 20.

Lee ist nicht leicht zu mögen oder zu verwurzeln. Sie ist aggressiv, selbstbezogen und selbstsabotierend. Sie entfremdet Freunde und behält die Ethik ebenso dünn wie die Nüchternheit bei. McCarthy widersetzt sich, ihre Geschichte – die darin besteht, eine stockende Karriere als Schriftstellerin gegen eine lukrative Tätigkeit als Fälscherin berühmter Schriftstellerbriefe einzutauschen – in eine Parabel der Genesung oder Erlösung zu verwandeln.

Es geht darum, wie Lee und ihr Kumpel (der wunderbare Richard E. Grant) ums Überleben spielen und gegen das Schicksal rebellieren, das eine gleichgültige Welt für sie vorbereitet hat. Der Titel des Films wirft eine ehrliche Frage auf. Vielleicht kannst du Lee ihre Verfehlungen und Lügen nicht verzeihen, ihren Mangel an Rücksicht auf die Worte und Gefühle anderer Leute. Aber vergessen kannst du sie auf keinen Fall.

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einundzwanzig

Catherine Deneuve

Von Marjane Satrapi

In seiner langjährigen Karriere mit einem Who-is-Who der Autoren steht Deneuve für eine bestimmte Art eleganter Französin, egal ob sie eine gewöhnliche Ehefrau, eine vom Pech verfolgte Bistrobesitzerin oder sogar eine iranische Mutter spielt. Für diese letzte Rolle in der animierten Persepolis (2007). Deneuve sprach einen Charakter, der auf Marjane Satrapis Mutter basiert. Wir haben Satrapi, die zusammen mit Vincent Paronnaud Regie führte, gebeten zu erklären, warum sie Deneuve aufgesucht hat.

Wenn Sie in Frankreich leben, ist Catherine Deneuve das Symbol. Als ich aufwuchs, war sie der Traum. Sie traf immer Entscheidungen, die für ihre Zeit zu fortschrittlich waren, eher anarchistisch als bürgerlich. Sie hat immer wie eine sehr bürgerliche Pariserin ausgesehen, was absolut nicht stimmt. Sie ist eine Rebellin, die wie eine Grande Dame aussieht.

Das erste Mal, als ich Catherine Deneuve traf, war, als würde ich Gott persönlich begegnen. Ich war so beeindruckt. Und doch musste ich ihr Regie führen, und ich wagte nicht, ihr etwas zu sagen. Die ersten zwei Stunden war ich komplett gelähmt und sie beruhigte mich. Sie hat mir gesagt, weil sie eine sehr großzügige Frau ist: Du bist die Regisseurin und ich bin deine Schauspielerin. Sag mir, was zu tun ist und ich werde es tun. Sie hat es nicht vor anderen getan. Sie sagte: Lass uns eine Zigarette trinken, und sie sagte es privat zu mir.

Für den Charakter der Mutter brauchte ich jemanden, der nicht diese ewige Mutter ist, die sehr liebenswert ist, denn das ist nicht meine Mutter. Meine Mutter ist ein sehr liebenswerter Mensch, aber sie sagt: Du machst das. Du machst das. Ich brauchte jemanden, der die Macht einer Frau hatte, die möchte, dass ihre Tochter [ihr Leben] besser macht und emanzipierter ist. Catherine Deneuve hat diese nicht spielerische Art zu sprechen, weil sie nicht versucht, sympathisch zu sein. Sie ist sehr offen. Wenn sie mit dir spricht, sieht sie dir direkt in die Augen.

Sie versucht nicht, sympathisch zu sein. Sie ist sehr offen.

Es gibt diese Szene, als ich nach Hause komme und meine Mutter anfängt, mich anzuschreien: Weißt du, was die mit jungen Mädchen im Iran machen? Sie müssen dieses Land verlassen. Ich erinnere mich, als sie es spielte, war sie ein bisschen daneben. Sie versuchte, sich zurückzuhalten, wie sie es normalerweise tut. Ich dachte: Nein, Catherine, du bist wirklich verrückt. Sie hat es getan und tatsächlich geweint. Das war extrem bewegend.

Und trotzdem, nach all den Jahren, habe ich jedes Mal, wenn ich sie sehe, den Herzschlag. Sie ist wie ein Löwe. Sie ist nicht laut, sie macht keine Gesten. Aber selbst wenn sie hinter dir ist und du sie nicht siehst, hast du das Gefühl, dass eine Katze im Raum ist. Es fühlt sich gleichzeitig sehr aufregend und sehr gefährlich an. Sie ist wild und furchtlos, und das liebe ich an ihr.— Interview von Kathryn Shattuck

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zwanzig

Rob Morgan

A. O. SCOTTDie großen Charakterdarsteller sind Meister des Paradoxes, unauslöschlich und unsichtbar zugleich. Man erkennt sie nicht unbedingt von einer Rolle zur nächsten, aber sie prägen jeden Film und bereichern das Ganze auch in kleinen Teilen.

Wenn Sie Mudbound, Monsters and Men, The Last Black Man in San Francisco und Just Mercy gesehen haben – vier Filme, die zwischen 2017 und 2019 veröffentlicht wurden – kennen Sie Rob Morgan, ob Sie seinen Namen kennen oder nicht.

Als zum Tode verurteilter Gefangener in Just Mercy ist er eine bemerkenswert undramatische Präsenz, ein ruhiger Mann, der von Reue, Hilflosigkeit und Angst heimgesucht wird, dessen Notlage die humanistische Argumentation des Films verkörpert.

In jedem der anderen Filme spielt er einen Vater, im Jim Crow South und im modernen urbanen Norden – einen Mann, der mehr weiß, als er sagt. Die Söhne in diesen Filmen sprechen die meiste Zeit, aber Morgan gibt Erlebnissen, die außerhalb der Hauptgeschichte liegen, einen beredten Ausdruck, auch wenn sie sie in eine größere Geschichte einbetten. In Last Black Man erscheint er in einer Handvoll Szenen und spricht nur wenige Zeilen, aber alles, worum es in dem Film geht – die Freuden und Enttäuschungen des Lebens am Rande einer eigenwilligen, sich schnell verändernden Stadt – steht ihm ins Gesicht geschrieben. Er hört zu, er kaut Sonnenblumenkerne, er spielt ein paar Akkorde auf einer alten Pfeifenorgel, und nach wenigen Minuten in seiner Gegenwart versteht man genau, was man wissen muss.

MANOHLA DARGISVon Zeit zu Zeit gibt ein kleiner Film einem Schauspieler die Chance, größer zu werden und die Mitte zu behalten, was Morgan in Annie Silversteins . tut Stier (2020). Er spielt Abe, einen ehemaligen Rodeo-Bullenreiter mit steifen Gelenken, Blut im Urin und einem zerbrechlich zusammengehaltenen Leben. Seine Tage im Bullenreiten sind vorbei und er arbeitet jetzt als Stierkämpfer vor Ort und hilft, gefallene Reiter zu schützen. Die Rolle von Abe wird glücklicherweise nicht überschrieben, was es Morgan ermöglicht, den Charakter mit einer überzeugend verkörperten Leistung zu definieren, deren Kopf geneigt ist, seitliche Blicke und zurückgezogene Präsenz eine schmerzhafte Vergangenheit und die Selbstschutzinstinkte eines Mannes in emotionalen Situationen ausdrücken Rückzug.

Bull sollte sich nur um Abe drehen, konzentriert sich stattdessen auf seine Beziehung zu einem weißen, wurzellosen 14-jährigen Nachbarn, Kris (Amber Havard). Ihr Schicksal kreuzt sich bitter, nachdem sie dabei erwischt wurde, wie sie sein Haus verwüstet hat, und ist geprägt von dem unverdienten Optimismus, der für das amerikanische Kino grundlegend ist. Mit anderen Worten, Abe und Kris retten sich gegenseitig. Was den Film jedoch rettet, ist das Fenster, das Morgan zum schwarzen Cowboy öffnet und wie die Aufführung Amerikas beliebteste Mythen verkompliziert, einschließlich der Figur des harten, stoischen Einzelgängers. Abe reitet nicht aus dem Gebiet von John Wayne ein; Abe reitet aus einem völlig anderen Land, das Morgan viszeral, verfolgt und völlig lebendig macht.

Stier streamen Hulu .

19

Wes-Studien

Von Manohla Dargis

Wes Studi hat eines der fesselndsten Gesichter des Bildschirms – vorspringend und gefaltet und verankert mit der Art von durchdringenden Augen, die darauf bestehen, dass Sie ihrem Blick entsprechen. Kleinere Regisseure verwenden sein Gesicht gerne als unverblümtes Symbol für die Erfahrung der amerikanischen Ureinwohner, als Maske des Adels, des Leidens, des Schmerzes, der nur deshalb nicht zu erkennen ist, weil niemand den Mann gefragt hat, der es trägt. Im richtigen Film spielt Studi jedoch nicht nur mit der Fassade eines Charakters; er schält seine Schichten. Als Meister der ausdrucksstarken Opazität zeigt er Ihnen die Maske und das, was darunter liegt, das Denken und das Fühlen.

Er zeigt dir die Maske und was darunter liegt.

Als rachsüchtiger Huronenkrieger in Michael Manns Epos The Last of the Mohicans (1992) stieg Studi ins filmische Bewusstsein ein, eine Figur, die der Schauspieler mit kraftvoller Körperlichkeit und Intensitäten von Verachtung, Ungeduld, Groll und Wut vermittelt. Mit wenig viel zu erreichen war eine Konstante in Studis Filmkarriere, zu der auch bedeutende Rollen in Die neue Welt (2005) und Benutzerbild (2009). Wie viele Schauspieler hat er seinen Anteil an vergessener Arbeit geleistet, Ausbeutungsfilme und Fernsehfutter gemacht. Oftmals spezifisch als amerikanischer Ureinwohner besetzt, hat er Geronimo und Cochise gespielt; er könnte noch mehr Filmfehler korrigieren, wenn Western noch populär wären. Und wenn die Branche abenteuerlustig wäre, könnte er auch mehr Typen spielen wie den Aufseher einer Obdachlosenunterkunft in Flynn sein (2012), ein Mann, der nicht trägt, was Studi Leder und Federn nennt.

Lehrreich trägt er weder in Scott Coopers Feindlich (2017), über Leben und Tod im Amerika des späten 19. Studi spielt Chief Yellow Hawk, einen sterbenden Cheyenne-Gefangenen, dem die Bundesregierung zugestimmt hat, in das Land seiner Vorfahren zurückzukehren. Der Film ist hauptsächlich an seiner Eskorte interessiert, einem vom Krieg zerstörten Indianerhasser, gespielt von Christian Bale, dem Star. Noch einmal liefert Studi eine unterstützende Wendung, die die Hauptdarbietung ergänzt – die Gleichgültigkeit seines Charakters gegenüber der Wut der Eskorte ist eine Mauer, die nicht durchbrochen werden kann – und hilft, das Gleichgewicht der Geschichte auszugleichen. Yellow Hawk hat lange genug überlebt, um zu seinen Bedingungen zu sterben, und Studi macht einen letzten Akt der Selbstbeherrschung.

Feinde streamen auf Netflix .

18

Willem Dafoe

Von Julian Schnabel

Der Schauspieler war eine wichtige Präsenz in so unterschiedlichen Filmen wie Schatten des Vampirs (2000) und The Florida Project (2017), für die er Oscar-Nominierungen erhielt. Er wurde auch für die Rolle des van Gogh in Julian Schnabels Biopic nominiert. Am Tor der Ewigkeit (2018). Wir fragten Schnabel, warum er sich an Dafoe wandte.

Willem und ich haben uns vor mehr als 30 Jahren kennengelernt. Er hat immer in der Nachbarschaft gelebt, und wir hatten viele gemeinsame Freunde. Oliver Stone drehte The Doors in New York, und eines Abends standen wir am Set und das war das erste Mal, dass wir wirklich miteinander redeten.

Eine Sache, die sehr wichtig ist, ist, dass er ein sehr großzügiger Schauspieler ist. Er kümmert sich um die Leistungen anderer Menschen und hilft ihnen, indem er bei allem, was er tut, zur Verfügung steht. Er ist sehr, sehr loyal und sehr, sehr klug. Wenn Sie jemanden haben, der schlau ist, können sie es besser machen.

Er ist ein sehr großzügiger Schauspieler. Er kümmert sich um die Leistungen anderer Leute.

[Für At Eternity’s Gate] Ich brauchte jemanden, der die Tiefe des Charakters hat, um van Gogh zu spielen. Und es ging ihm nicht nur darum, wie er auszusehen. Es war jemand, der genug Lebenserfahrung haben konnte, um dieser Typ zu sein. Die Leute dachten, Willem ist 60 Jahre alt, van Gogh war 37, als er starb. Das war mir egal. Man muss nur eine Ahnung davon haben, jemandem zu vertrauen und zu denken, dass er etwas tun kann. Ich vertraue Willem uneingeschränkt. Und dieses Maß an Vertrauen gilt in beide Richtungen.

Es gibt Sachen, die wir nach seiner Ankunft in Arles gedreht haben, die wir nicht verwenden konnten. Er trug die gleichen Klamotten, hatte die gleiche Frisur, aber er war noch nicht der Typ. Dann gab es einen bestimmten Moment, in dem er es plötzlich war. Er war verwandelt, verklärt. Er war ein anderer.

Eine meiner Lieblingsszenen ist, wo er mit dem jungen Dr. Rey spricht, der ihn sieht, nachdem er sich das Ohr abgeschnitten hat und ihm garantiert, dass er malen darf, wenn er in der Anstalt ist. Diese Interaktion ist außergewöhnlich, was Willem dort macht. Er sitzt im Grunde an einem Tisch und es gibt nicht viel Platz für Bewegung. Aber was in seiner Reaktion auf das, was der junge Arzt zu ihm sagt, und auch auf alle anderen Gedanken, die ihm zu dieser Zeit durch den Kopf zu gehen scheinen, vor sich geht, ist eine Landschaft von Ereignissen und ein Innenleben wie Schaum an die Spitze einer Vanille-Ei-Creme kommen.— Interview von Kathryn Shattuck

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17

Alfre Woodard

Von A. O. Scott

In einer gerechten Welt gäbe es eine riesige Liste großartiger Darbietungen, um diesen Eintrag zu füllen, eine Sammlung von Matriarchinnen, romantischen Heldinnen, Diven und Schurken, die die gesamte Palette von Alfre Woodards Gaben widerspiegeln. Solche Rollen sind für Schwarze Frauen immer Mangelware, aber selbst in kleinen Rollen in kleineren Filmen oder Fernsehserien ist Woodard eine unvergessliche Präsenz, die gleichzeitig königlich und absolut real ist.

Die beiden Filme, die ihr den meisten Raum gegeben haben – Steve McQueens 12 Jahre ein Sklave (2013) und Chinonye Chukwus Clemency (2019) – beide stellen die Frage der Gerechtigkeit in den Mittelpunkt. In jedem muss Woodard die Würde und ethische Integrität ihres Charakters angesichts unglaublich grausamer Umstände behaupten. Bernadine Williams, die Gefängniswärterin in Clemency, deren Aufgabe es auch ist, Hinrichtungen zu überwachen, findet ihre Professionalität zunehmend im Widerspruch zu ihrer Menschlichkeit. In 12 Jahren hat Mistress Shaw, eine versklavte Frau, deren Beziehung zu einem Plantagenbesitzer ihr ein gewisses Maß an Privilegien verschafft hat, mit einem System verhandelt, das auf ihrer Entmenschlichung basiert.

Woodards Kunst, ihr Engagement für die Wahrheit, ist das, was Sie sehen.

Die Widersprüche, mit denen Bernadine und Mistress Shaw zu kämpfen haben, sind größer als jeder Einzelne. Woodard macht sie persönlich. Selbstbeherrschung ist eine Frage des Überlebens, und Woodard setzt ihr Gesicht in ein Bild von angemessenem Anstand und verkörpert die vornehme Südstaaten-Lady oder den effizienten Bürokraten, den die Situation erfordert. Sie lässt die Masken nicht so sehr rutschen – außer vielleicht in den verheerenden letzten Szenen von Clemency –, sondern zeigt die Kosten und Sorgfalt, die mit dem Tragen verbunden sind. Die Charaktere treten auch auf und spielen ihre Rollen um den Tod, und Woodards Kunst, ihr Engagement für die Wahrheit, ist das, was Sie im Raum zwischen ihrem Aussehen und dem, was sie sind, sehen.

Beides streamen Milde und 12 Jahre ein Sklave auf Hulu.

16

Kim Min-hee

Von Manohla Dargis

In Hong Sang-soos Right Now, Wrong Then (2016) treffen sich eine Frau und ein Mann. Sie trinken und trinken noch etwas und trennen sich gereizt, nur um sich in der zweiten Hälfte des Films wie zum ersten Mal zu treffen, ein Setup, das an den Groundhog Day erinnert. Wieder gehen sie in ein Café, ein Studio, ein Restaurant. Doch während ihre Handlungen im Allgemeinen gleich bleiben, wie auch der Gesamtbogen des Abends, hat sich genug geändert – wie sie sich ansehen, die Beugungen in ihren Stimmen –, um diese zweite Begegnung zu etwas anderem zu machen.

Kim Min-hees exquisit nuancierte Leistung steht im Mittelpunkt des Films, und die Schauspielerin selbst steht seitdem im Mittelpunkt von Hongs Arbeit und ist in den meisten seiner folgenden Filme zu sehen. Als etablierter Arthouse-Autor erzählt Hong bescheiden skalierte Geschichten, die formal verspielt, sensibel für die menschliche Unvollkommenheit und von Soju durchtränkt sind. Bekannte Dinge passieren, manchmal ungewohnt. Die Wiederholung ist oft ein erzählerischer Schwerpunkt, der im Leben verankert ist und von Kims klarer Expressivität wunderbar bedient wird.

In Hongs minimalistischem Kanon verdichtet sich das Leben in alltäglichen Momenten, in Gesprächen und der Art und Weise, wie sich Körper aneinander lehnen. Die Unterschiede in den beiden Hälften von Right Now, Wrong Then offenbaren neue Facetten der Charaktere und erzeugen neue Spannungen zwischen ihnen. Sie lassen auch Kims Reichweite freien Lauf und erlauben ihr, mit Intonation, Gesten und flackernden Blicken zu spielen. Doch während sich die beiden Abschnitte des Films wie Variationen derselben Geschichte anfühlen, fühlt sich ihre Leistung eher an, als würde sie – Lächeln für Lächeln, mit abgelenkten und starren Blicken – die Figur zu einem Ganzen zusammenfassen.

Sie geht groß und klein, wechselt von monströs zu mausartig.

Sie hat sich für Barock in Park Chan-wook’s entschieden Die Magd (2016), ihr bekanntester Film. In diesem ausgefallenen, oft pervers komischen Drama, das in den 1930er Jahren im Korea spielt, spielt sie eine japanische Adlige, die durch ihre List und eine andere Frau vor ihrem abweichenden Onkel gerettet wird. Die extravaganten Exzesse und erzählerischen Wendungen der Geschichte ermöglichen es Kim, jedes Werkzeug in ihrer Workbox zu verwenden. Sie geht groß und klein, wechselt von monströs zu mausartig und verbirgt abwechselnd die Gefühle ihrer Figur und lässt sie Amok laufen. Ihr Körper wackelt und ihr Gesicht verzerrt sich, als Angst und Schmerz in Ekstase und Befreiung weichen. Der Charakter ist ein Mysterium, das der Film neckt, aber das Kim im Delirium entschlüsselt.

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fünfzehn

Michael B. Jordan

Von Ryan Cooller

Michael B. Jordan hat Anwälte, Sportler und Superhelden gespielt, doch noch bevor seine Reichweite klar wurde, wollte Regisseur Ryan Coogler mit ihm zusammenarbeiten. Coogler hat drei Features (Fruitvale Station, Creed und Black Panther) und Jordan Stars oder Co-Stars in allen gemacht. Wir haben den Regisseur gebeten, zu erklären, was uns an dem Schauspieler so fasziniert.

Ich habe Mike 2012 kennengelernt, als ich recherchierte und am Drehbuch für arbeitete Fruchttal. Er war derjenige, von dem ich dachte, dass er der Beste für die Rolle wäre, bevor ich ihn traf, basierend auf den anderen Arbeiten, die ich bei ihm gesehen hatte – ein paar Filme in diesem Jahr, Red Tails und Chronicle und ein paar Sachen im TV-Bereich . Aber ich dachte, er könnte Oscar spielen. Er sah aus wie er, aber ich sah auch diese Fähigkeit, dich in ihn hineinzufühlen. Nicht alle Schauspieler haben dieses Ding, wenn man sich sofort um jemanden kümmert und das eine empathische Reaktion auslöst. Das hatte er. Auch als Schauspieler verfügt er über einen sehr fortschrittlichen Werkzeugkasten.

Was ich gesehen habe, war diese Fähigkeit, dich in ihn hineinzufühlen.

Er war in allen Spielfilmen, die ich gemacht habe. Und ich besetze ihn immer wieder, weil er der Beste für den Job ist. Creed [2015] hatte einen anderen Charakter, von dem ich dachte, dass er gut spielen könnte. Bevor Mike Schauspieler wurde, war er Sportler, zurück in der Grundschule und auf der High School. Er hatte Sportler im Fernsehen gespielt, der berühmteste war in Friday Night Lights, also wusste Mike, dass einige der Dinge, von denen wir wussten, dass sein Charakter in Creed zu tun hatte, richtig waren. Es war ein Teil von ihm, der keine große Reichweite hatte.

Und in] Schwarzer Panther [2018], als er und Chadwick sich gegenüberstanden und von Kopf bis Fuß gingen, fühlte es sich wie ein Ereignis an. Ihre Sterne gingen auf. Sie waren beide Hauptdarsteller, als wir diesen Film drehten.

Das Spannende daran, dass wir in der Branche älter werden, ist die Zusammenarbeit in verschiedenen Funktionen. Er macht jetzt viel hinter der Kamera. Und wir haben einige Möglichkeiten, über Schauspieler und Regisseur hinaus zusammenzuarbeiten.

Er ist auf eine liebenswerte Weise sehr ehrgeizig. Er will sich immer weiter pushen und herausfordern. Und das zeigt sich in seinen Auftritten, aber auch im geschäftlichen Sinne. Dieser Ehrgeiz hält ihn aufgeschlossen. Er schaut sich alles an und möchte sich nicht von bestimmten Genres oder Gelegenheiten abschotten. Ich denke also, der Himmel ist die Grenze für ihn und seine Karriere.— Interview von Mekado Murphy

Streame Black Panther auf Disney+ .

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Oscar Isaac

A. O. SCOTTWährend ich die jüngsten Star Wars-Filme nehmen oder verlassen kann, habe ich eine Vorliebe für einige der Charaktere, insbesondere Poe Dameron, den Widerstandsflieger, der der ausgewiesene Charmeur der dritten Trilogie ist. Als Poe ist Oscar Isaac in diesen Filmen eine ansprechende, lockere Erscheinung, ein Typ, der zu wissen scheint, was er tut.

Seine Charaktere sind nicht immer so glücklich oder selbstsicher, aber der Mann selbst agiert mit der Präzision eines Menschen, der sich seiner Fähigkeiten sicher genug ist, um sich in riskantes Neuland zu begeben. Der Sommer vorher In Llewyn Davis (2013) veröffentlicht wurde, erzählten uns Joel und Ethan Coen, dass sie ursprünglich einen bekannten Musiker für die Titelrolle besetzen wollten. Stattdessen fanden sie Isaac, der ihnen (laut Joel) sagte, dass die meisten Schauspieler, wenn man sie fragt, ob sie Gitarre spielen, sagen, dass sie 20 Jahre lang Gitarre gespielt haben, aber was sie wirklich meinen, ist, dass sie eine Gitarre besitzen seit 20 Jahren. Isaac könnte tatsächlich spielen. Wenn ich darüber nachdenke, was ihn als Schauspieler so glaubwürdig macht, kommt mir das als erstes in den Sinn. Nicht, weil es so eine große Sache ist, Gitarre zu spielen, sondern weil was auch immer Isaac vorgibt, auf dem Bildschirm zu tun – Heizöl verkaufen (im unterschätzten Jahr A Most Violent Year (2014); sexy Roboter erfinden (in Ex Machina); X-Wing fliegen Kämpfer – ich glaube immer, dass er wirklich weiß, wie es geht, und dass ich eine Art authentischer Meisterschaft in Aktion beobachte.

MANOHLA DARGISWenn Schauspieler einen tiefgründigen ersten Eindruck hinterlassen, sind sie manchmal mit Ihren Vorstellungen davon verbunden, was sie tun können. Nach Llewyn Davis habe ich Isaac mit einer seelenvollen Niederlage in Verbindung gebracht, mit einem Unterton von widerwilligem Groll. Einige andere Rollen untermauerten diese Idee seiner angeborenen Trauer, darunter seine Leistung als belagerter Bürgermeister in der HBO-Serie Show Me a Hero (2015). Das hat zum Teil mit seinem grüblerischen, romantischen Aussehen zu tun und wie seine Brauen seine luxuriös gepeitschten Augen umrahmen. Und dann ist da noch seine Stimme, ihr schöner Klang, aber auch wie ihre Resonanz Intimität schafft. Selbst wenn er nasal einsetzt, behält seine Stimme eine Qualität der Nähe, ein Grund, warum sie sich oft anfühlt, als würde Llewyn mehr für sich selbst singen als für das Publikum. Isaacs Stimme mildert auch seine Schönheit und zieht einen an. Manchmal jedoch, wie in Ex Machina, nutzt er diese Intimität für etwas Andeutungsvolles, Unheimliches.

Isaac hat eine Nebenrolle in Ex Machina (2015), aber er ist entscheidend für seine Stimmung und Kraft. Er spielt Nathan, einen Dr. Frankenstein-ähnlichen Tech-Milliardär, der sich mit künstlicher Intelligenz beschäftigt und schöne weibliche Androiden baut (und zerstört). Als brutal kritischer Ersatz für die heutigen Meister des digitalen Universums hätte Nathan den Film leicht dominieren können. Isaac hält stattdessen seinen eigenen Charme in Schach und lässt die Gruseligkeit des Charakters die Luft vergiften. Nathans quirlige Launen und überraschende Blicke – sein rasierter Kopf und Vollbart, seine Brille und seine abgeschnittenen Muskeln – machen es schwierig, ihn ins Visier zu nehmen. Aber als er plötzlich abstürzt und einen erstaunlichen Tanz aufführt, legt Isaac in der geometrischen Präzision seiner choreografierten Bewegungen und dem Wahnsinn in seinen Augen alles offen, was Sie über Nathan wissen müssen. Es sind 30 Sekunden pures Genie.

Mieten oder kaufen Ex Machina auf den wichtigsten Streaming-Plattformen.

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Tilda Swinton

MANOHLA DARGISTilda Swinton, die Frau mit tausend jenseitigen Gesichtern, hat genug Persönlichkeiten geschaffen – mit unzähligen Perücken, Kostümen und Akzenten – um eine Liste von einer zu werden. Sie ist ein Star, eine Charakterdarstellerin, eine Performance-Künstlerin, eine Außerirdische, eine Tricksterin. Ihr blasses, scharf gehobeltes Gesicht ist eine ideale Leinwand für Farbe und Prothetik und fähig, die Stille zu beunruhigen. Du willst sie lesen, kannst es aber nicht. Das macht sie zu einer großartigen Bösewichtin, egal ob sie einen Dämon, eine Königin oder einen Unternehmensanwalt spielt. In Julia (2009) lässt sie die Mauer fallen, um eine außer Kontrolle geratene Alkoholikerin und Kinderräuberin zu spielen, und gibt eine Vollgas-Performance, die so viszeral und transparent ist, dass man die Gedanken der Figur wie kleine Parasiten wütend bei der Arbeit sehen kann unter der Haut bewegen.

A. O. SCOTTWir loben Schauspieler gerne für ihre Reichweite, aber das ist ein fast lächerlich unzureichendes Wort für die radikale Formänderung, die Swinton vollbringt. Schauen Sie sich nur einen Strang ihrer Karriere an: ihre Arbeit mit Luca Guadagnino, einem Filmemacher, der ihre Freude an der Selbsterfindung teilt. In Ich bin die Liebe (2010) spielte sie die russische Frau eines italienischen Aristokraten, die in zwei Sprachen und in der Tonart des reinen melodramatischen Herzschmerzes aufgeführt wurde. In Ein größerer Spritzer (2016) hatte sie kaum eine Sprache: Sie entschied, dass es interessant wäre, wenn ihre Glam-Rock-Diva-Figur durch eine Halsoperation stumm geschlagen worden wäre. In Suspiria (2018) führte sie eine ihrer vielen Selbstverdoppelungen durch, trat als Mitglied eines balletomanischen Hexenzirkels und auch als älterer männlicher Holocaust-Überlebender auf.

DARGISDiese Verdoppelung prägt ihre androgynsten Performances, in denen sie mühelos das Geschlecht verwischt und (wieder einmal) die Unzulänglichkeit von Kategorien wie Mann und Frau bestätigt. Sie ist beides; sie ist es auch nicht. Eine andere Verdoppelung findet statt, wenn sie Zwillinge spielt, im 2016 Hail, Caesar! (als rivalisierende Klatschkolumnisten) und im nächsten Jahr in Okja (als optisch deutliche, sehr grausame Industriekapitäne). In jedem zeigt uns Swinton zwei Seiten derselben Person, ähnlich wie sie es in Michael Clayton (2007) tut, wenn ihr Anwalt vor einem Spiegel ein doppelzüngiges Spiel einstudiert. Während die Anwältin redet, innehält und ihr Lächeln senkt, sieht man, wie sie verzweifelt versucht, ein Spiegelbild zu kontrollieren, das bereits zerbricht.

SCOTTDiese Rollen können theatralisch sein, aber sie wirken fast nie aufdringlich. Swinton hat Wurzeln in einer Avantgarde-Tradition – früher in ihrer Karriere arbeitete sie mit Derek Jarman und Sally Potter –, die die Wandelbarkeit von Identität und die verwischten Grenzen zwischen Künstlichkeit und Authentizität betont. In den letzten 20 Jahren hat sie einen Teil der intellektuellen Strenge und des konzeptuellen Wagemuts dieser Arbeit nach Hollywood und darüber hinaus gebracht. Sie ist nicht nur eine einzigartig aufregende Performerin, sondern auch eine der großen lebenden Performance-Theoretikerinnen.

Alle diese Tilda Swinton-Filme sind verfügbar auf große Streaming-Plattformen .

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Joaquin Phoenix

Von James Gray

Joaquin Phoenix hat in vier Filmen des Regisseurs James Gray mitgewirkt, beginnend mit Die Werften im Jahr 2000 und darunter We Own the Night (2007), Two Lovers (2009) und The Immigrant (2014). Wir haben Gray gebeten zu erklären, wie der Schauspieler seine eigene Vision erweitert – und verbessert – hat.

Als ich To Die For sah, sagte ich: Dieser Schauspieler – ich kannte noch nicht einmal seinen Namen – ist unglaublich gut darin, sein inneres Leben ohne Dialog zu vermitteln. Das ist im Kino eine ganz wichtige Sache, denn die Kamera verrät alles. Hier war ein Schauspieler, bei dem so viel los war und man merkte es. Ich dachte, das ist ein sehr interessanter Schauspieler. Ich würde ihn gerne kennenlernen. Und ich tat.

Wir waren sofort auf derselben Wellenlänge. Uns gefielen die gleichen Dinge. Wir dachten über die Dinge genauso nach. Und ich mochte ihn einfach sofort. Er hatte diese Dimensionalität für ihn. Der erste Film, den wir zusammen gemacht haben [The Yards], ich bin mir sicher, dass ich ihn sehr angepisst habe. Ich habe einen sehr direkten Weg. Das ist manchmal gut und manchmal nicht so gut. Ich bin jetzt besser darin. Sagen wir einfach, dass ich nicht immer bereit war zu sagen: Ja, das ist interessant, aber versuchen wir es mal. Ich war mehr auf Joaq, was machst du? Das ist scheiße, versuch es mit einem anderen. Und ich weiß, dass ich ihn frustrieren würde, weil sein Talent so groß war.

Er hat die grenzenlose Fähigkeit, Sie auf die beste Art und Weise zu überraschen und Sie zu inspirieren, sich in eine Richtung zu bewegen, an die Sie ursprünglich nicht gedacht haben, besser als das, was Sie sich vorstellen, und erweitert die Idee. Er ist äußerst erfinderisch. Er denkt immer nach und ist im Laufe der Jahre sogar noch mehr geworden. Ich habe nie gesagt, dass ich meine Vision auf dem Bildschirm haben möchte. Ich will etwas Besseres als das. Sie möchten die Parameter dessen, was Sie sich vorstellen, festlegen und sich dann mit Menschen umgeben, die alles schöner machen. Nicht unbedingt anders, aber intensiver, lebendiger.

Er hat eine grenzenlose Fähigkeit, Sie auf die beste Art und Weise zu überraschen.

Sie möchten, dass der Schauspieler Sie überrascht, und zwar auf eine Weise, die mit der Figur übereinstimmt, aber auch sehr interessant erscheint. Joaquin war darin absolut fantastisch. Das ist inspirierend. Sie wissen nicht, was Sie im besten Sinne erwartet. Joaquin Phoenix ist eines der besten Dinge, die mir je passiert sind. Wenn ich es überhaupt bedauere, wäre es, dass er nicht in jedem einzelnen Film vorkommt, den ich gemacht habe.— Interview von Candice Frederick

Streame The Yards auf CBS All-Access .

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elf

Julianne Moore

A. O. SCOTTDie unglückliche amerikanische Hausfrau, die trotz häuslicher Tragödien und innerer Unruhen lächelt, um ihren Auftritt aufrechtzuerhalten, ist ein dauerhafter Film-Archetyp. Es ist eines, das Julianne Moore sowohl erforscht als auch explodiert hat, in Die Stunden (2002) und vor allem in ihren Kollaborationen mit Todd Haynes wie Weit weg vom Himmel (2002).

Dieser Film spielt in Connecticut in den 1950er Jahren, aber es ist eine betont stilisierte Landschaft, die an die Hollywood-Melodramen dieser Zeit erinnert. Cathy und Frank Whitaker (Moore und Dennis Quaid) werden beide durch verbotene Begierden aus ihrer erstickenden Ehe gerissen: Frank für andere Männer, Cathy für Raymond Deagan, einen schwarzen Landschaftsgärtner (Dennis Haysbert). Diese Übertretungen sind nicht symmetrisch oder intersektional. In ihrem Herzschmerz, ihrer Demütigung und Sehnsucht können Frank und Cathy einander keinen Trost anbieten.

Moore hätte Cathys Angst in Anführungszeichen setzen können, um die leidenden Diven des Kinos der 50er Jahre zu beschwören, während er einem modernen Publikum zuzwinkert, das aus sicherer ästhetischer Distanz über die schlechten alten Zeiten nachdenkt. Stattdessen geht sie ganz hinein, starrt aus der Seele einer Frau, die in ihrer Zeit verwurzelt und absolut modern ist, gefangen in Regeln und Erscheinungen und auch – erschreckend und aufregend – frei.

MANOHLA DARGISUnglücklich oder nicht, Ehefrauen können für Schauspielerinnen eine Sackgasse sein und für zu viele kommt die Zeit, in der sie für immer in die Küche verbannt werden. Moore hat viele Ehefrauen und Mütter gespielt, aber ihre Filme sind manchmal komplexer und überraschender als ihre Filme, ein Indiz für ihre Sensibilität und ihr Talent. Ein Grund, warum sie ihre Charaktere aus dem Stereotyp heraushebt, ist, dass sie mit Codes des Realismus spielt, egal ob sie eine naturalistische Darbietung (Still Alice, das Melodram von 2014 über einen Professor mit Alzheimer) oder eine hyperbolische (David Cronenbergs Satire 2015 M aps to the Stars, wo sie eine Hollywood-Hyäne ist). Moore kann den inneren Zustand eines Charakters wunderbar nach außen tragen, sodass Sie Gefühle auf ihrer Haut sehen. Aber sie ist eine Künstlerin der Extreme, und sie und Cronenberg haben Spaß daran, mit ihren Wasserspeiergesichtern zu spielen.

Ihre Arbeit in Gloria Bell (2019) ist größtenteils in einer realistischen Tonart gehalten. Sie spielt die Titelfigur, eine großzügige geschiedene Versicherungsangestellte mit zwei erwachsenen Kindern, eine Ex, die sie nicht hasst, und eine schmerzlich einsame Wohnung. Der Film selbst ist bescheiden, intim, nachdenklich und reich an menschlichen Details. Gloria beginnt eine Affäre mit einem Mann. Es geht schlecht, sie trennen sich. In normalen Filmbegriffen passiert nicht viel, aber alles passiert, weil Gloria liebt und geliebt wird. Es ist eine Geschichte, die zu Eimer voll Rotz und leerem Showboating hätte führen können. Aber Moore und der Regisseur Sebastián Lelio gehen über die Offensichtlichkeit hinaus. Sie schaffen nicht nur eine Geschichte über die Gefühle – und das Sein – einer Frau, während sie sich verliebt; sie schaffen eine Landschaft der Emotionen, die Textur und Form einer Sensibilität. Moores Gloria weint und lacht nicht; Sie zeigt dir, wie Liebe von innen aussieht. Es ist ein Wunder einer Leistung.

Gloria Bell streamen Aber Zone Prime Video .

10

Saoirse Ronan

Von A. O. Scott

Auf wie viele verschiedene Arten kann eine Person erwachsen werden? Erwachsen werden ist vieles von dem, was junge Leute in Filmen tun, aber nur wenige Schauspieler tun es so lange und mit so viel Nuance, Intelligenz und Vielfalt wie Saoirse Ronan. Sie ist mehr als die Hälfte ihres Lebens (sie ist 26) vor unseren Augen gereift und wird in jeder neuen Rolle weiser, trauriger, freier und selbstbewusster.

Natürlich sind es hauptsächlich die Charaktere, die diese Veränderungen durchmachen. Eilis Lacey (Brooklyn, 2015) findet Liebe und Unabhängigkeit in ihrem neuen Zuhause; Christine McPherson (Lady Bird, 2017) lernt ihre Mutter zu schätzen; Jo March (Little Women, 2019) findet ihre Stimme als Autorin. Ronan selbst, die diese Frauen und Mädchen in all ihren Besonderheiten bewohnt, war von Anfang an fast beunruhigend konsequent und beherrschte ihre Gaben vollständig und diszipliniert.

Volle, disziplinierte Beherrschung ihrer Gaben von Anfang an.

In Sühne, In ihrer Breakout-Performance aus dem Jahr 2007 spielte sie Briony Tallis, eine scharfsinnige 13-Jährige, die glaubt, mehr über die Welt der Erwachsenen zu wissen als sie. Ronan entspricht nicht nur Brionys Frühreife; Sie vermittelt auch die flüchtige Mischung aus kindlicher Unsicherheit und romantischer Eifersucht, die dieses achtlose, bedürftige, halb unschuldige Mädchen wirklich gefährlich fühlen lässt.

Und dieses Gefühl der Gefahr bleibt bestehen, egal ob ihr Charakter verletzlich (wie in The Lovely Bones, 2009) oder gewalttätig ist (wie in Hanna, 2011). Selbst wenn sie in beruhigenden Dramen oder sanften Komödien des häuslichen Lebens zu sehen ist, bringt Ronan eine Quecksilberpräzision mit, die aufregend und ein wenig beunruhigend ist. Denn so sehr sie das emotionale Wetter und die spezifische Körpersprache beispielsweise einer schottischen Königin des 16. Jahrhunderts oder eines kalifornischen Teenagers des 21. in ihren Köpfen zu sein.

Das mag nach einer zerebralen, intellektualisierten Herangehensweise an die Schauspielerei klingen, aber es ist in Wirklichkeit das Gegenteil. Der radikalste und aufschlussreichste Ehrgeiz, den sich ein Schauspieler vorstellen kann, besteht darin, ein anderes Bewusstsein zu bewohnen und das Publikum auf diese parapsychologische Reise mitzunehmen. Das ist mehr, als nur in eine Rolle zu verschwinden oder parallele Erinnerungen methodisch zu aktivieren. Es ist eine Art selbstermächtigte Wiedergeburt, als könnte Athena nicht aus der Stirn ihres Vaters, sondern ihrer eigenen entspringen. Es kann erschreckend sein, Zeuge zu werden, aber Genie ist es oft.

Stream Sühne auf Auf Hahn .

9

Viola Davis

Von Denzel Washington

Viola Davis hat in den letzten 20 Jahren mehrmals mit Denzel Washington zusammengearbeitet – ob als Regisseur (Antwone Fisher, 2002), Star (als Troy Maxson für ihre Rose Maxson im Familiendrama von August Wilson). Zäune am Broadway und dann 2016 im Film) oder als Produzentin (er besetzte sie in der Titelrolle in dem kommenden Wilson-Jazzdrama Ma Rainey’s Black Bottom). Wir haben ihn gebeten zu erklären, was sie so großartig macht:

Ich wusste, dass sie eine großartige Schauspielerin ist, seit sie vorgesprochen hat Antwone Fischer vor 20 Jahren. Ich habe ihre Kraft, ihre Stärke und ihr Talent [beim Shooting] erlebt. Sie kam bereit, charakterlich, und ich habe sie im Grunde einfach in Ruhe gelassen. Es war ihr wirklich nichts zu sagen, aber danke und lass uns noch eins tun.

Sie ist ein Talent, das nur einmal in einer Generation lebt. Das weiß man nicht immer sofort, aber wir alle haben es jetzt im Laufe der Zeit erlebt. Als ich mit ihr in dem Stück [Zäune] zusammen war, war es sogar bei den Proben so: Oh, OK, sie ist ein Kraftpaket. Sie hat eine große Szene, als sie sich endlich auf Troy entlädt; Ungefähr in der dritten Probenwoche zeigte sie, wohin sie ging. Und ich dachte, ich hole sie besser ein. Ich muss mich konzentrieren.

Wir hatten einen enormen Erfolg, also gab es nie eine Frage, wer die Rolle im Film spielen würde. Und eine mächtige, starke Frau und bescheiden. Der Regisseur [George C. Wolfe] musste sie [über Ma in Ma Raineys Black Bottom] überzeugen. Ich tat das auch. Sie meinte, ich kann nicht singen. Ich habe keinen Rhythmus, all das Zeug.

Sie kann tun und lassen, was sie will. Sie hat so viel Können.

Ich vertraue ihr voll und ganz. Warum will jemand mit Miles Davis in einer Band spielen? Weil er ein großartiger Mitarbeiter, Innovator, Künstler ist. Sie ist dasselbe. Sie kann tun und lassen, was sie will. Sie hat so viel Können. Sie ist eine der besten Interpretinnen von Material, mit der ich die Gelegenheit hatte, zusammenzuarbeiten.— Interview von Candice Frederick

Mieten oder kaufen Zäune auf den wichtigsten Streaming-Plattformen.

8

Zhao Tao

MANOHLA DARGISSeit 2000 haben die chinesische Schauspielerin Zhao Tao und der Regisseur Jia Zhangke mehr als ein Dutzend Spiel- und Kurzfilme, Dramen und Dokumentarfilme sowie Arbeiten gedreht, die sich einer solch sauberen Kategorisierung entziehen. Ihre Filmemacher-Allianz ist so holistisch und vertraut, dass es schwer vorstellbar ist, wie diese Filme ohne Zhaos Gesicht und erdende Präsenz aussehen würden. Sie wird oft seine Muse genannt (sie sind verheiratet), aber das kommt dem Reichtum ihres Beitrags nicht nahe – seiner Poesie, Symbolik und emotionalen Granularität.

In Jias Filmen gehen die Leute viel zu Fuß und niemand hat mehr Kilometer zurückgelegt als Zhao, oft in Echtzeit. Als ehemalige Tanzlehrerin bewegt sich Zhao mit Gelassenheit und Geschmeidigkeit, egal ob ihre Figuren durch eine Halle schlendern (The World im Jahr 2005) oder durch eine verlassene Schule (24 City im Jahr 2009) wandern. In Still Life (2008) spielt Zhao Shen Hong, die ihren Mann in einer alten Stadt sucht, die wegen eines umstrittenen Damms überflutet werden soll. Shen Hong ist oft in mittlerer und langer Einstellung zu sehen, aber als jemand fragt, ob sie es eilig habe, schneidet Jia in Nahaufnahme zu ihr. Nicht wirklich, sagt sie, und ihr Gesicht füllt sich mit Bedauern oder vielleicht Erinnerungen, kurz bevor sie aus der Tür geht.

Die vielen Reisenden von Jia zeichnen China Geschichte für Geschichte auf, unabhängig von ihrem wörtlichen oder metaphorischen Ziel. Vielleicht wirkt Zhaos Haltung deshalb so auffällig. Selbst wenn ihre Charaktere driften, tun sie dies mit geradem Rücken.

A. O. SCOTTDie anhaltende Transformation Chinas – seine Mode, seine Musik, seine Wirtschaft, seine Architektur und Topografie – ist Jias alles verzehrendes Thema, und Zhao ist sein Avatar und Testfall. Sie ist eine Art Everywoman, das heißt, sie verkörpert viele verschiedene Frauen, manchmal innerhalb eines einzigen Films.

In Ash Is Purest White (2019) spielt sie Qiao, die als Teil eines Gangsterpaares in der nördlichen Industriestadt Datong startet. Sie und ihre Geliebte Bin sind furchtlos und glamourös, obwohl Qiao durch ihren Vater mit einer älteren Welt der Arbeiterräte und proletarischer Härte verbunden ist. Es sind die frühen 2000er Jahre, und alles an Qiao – ihre Haare, ihre Kleidung, ihre Art und Weise, wie sie durch glänzende Nachtclubs und marode Fabriken schreitet – drückt das Vertrauen in die Moderne und ihren Platz darin aus.

Dann fällt alles auseinander. Ihre Loyalität zu Bin bringt sie ins Gefängnis, und als sie freigelassen wird, ist er weg. Ihre Reisen per Schiff, zu Fuß, mit dem Motorrad und mit dem Zug führen sie auf eine lange, zermürbende Odyssee zurück zu ihrem Ausgangspunkt. Ihr Leiden ist unerbittlich, aber ihr Stoizismus macht es manchmal fast komisch, als wäre sie gleichzeitig die Heldin eines alten Hollywood-Melodrams und die Protagonistin eines Samuel Beckett-Stücks. Die Aufführung ist ein Wunderwerk der Ausdauer, in der Erde verwurzelt, aber irgendwie auch überlebensgroß.

Stream Ash Is Purest White on Amazon Prime Video .

7

Toni Servillo

Von A. O. Scott

Toni Servillo ist dem amerikanischen Publikum wahrscheinlich am besten bekannt für Die große Schönheit (2013), Paolo Sorrentinos Oscar-prämierte Tour durch die dekadenten Wege der modernen römischen Kulturelite. Pauline Kael nannte diesen Film eine Party, die als die kranke Seele Europas angezogen war, mit Servillo, der einen Schriftsteller mit geringen Leistungen und großem Ruf als Meister der Feierlichkeiten spielte. Mit seinem hübschen, faltigen Gesicht und den tadellosen Kurzwaren erinnert Servillo an eine etabliertere Version des sozialen Schmetterlings, den Marcello Mastroianni in La Dolce Vita spielte – ein distanzierter, vage deprimierter Teilnehmer-Beobachter in einem wirbelnden Spektakel des Hedonismus.

Zieht man am Faden von Servillos Zusammenarbeit mit Sorrentino, findet man etwas Faszinierenderes und Substanzielleres als Schönheit. Die beiden haben an fünf Spielfilmen zusammengearbeitet, darunter Sorrentinos Regiedebüt One Man Up, und eine Symbiose entwickelt, die an einige der großen Schauspieler-Regisseur-Partnerschaften der Vergangenheit erinnert: Martin Scorsese und Robert De Niro; Vittorio De Sica und Sophia Loren; John Ford und John Wayne.

Solche Analogien reichen nicht aus. Servillo war der zentrale Avatar in Sorrentinos Ausgrabung der Korruption und Heuchelei – aber auch des unwahrscheinlichen Ruhms und der absurden Widerstandsfähigkeit – des modernen Italiens. Insbesondere hat er zwei der mächtigsten und polarisierendsten politischen Führer in der jüngeren Geschichte des Landes verkörpert: Giulio Andreotti (im rauen und satirischen Il Divo, 2009) und Silvio Berlusconi (im epischen und seltsam zarten Loro, 2019 .). ).

Um das Ausmaß dieser Leistung einzuschätzen, bedarf es einer weiteren Runde von Analogien. Stellen Sie sich vor, derselbe Schauspieler wäre sowohl als Richard Nixon als auch als Barack Obama oder als Winston Churchill und Margaret Thatcher besetzt. Andreotti, siebenmaliger Ministerpräsident und wichtigster Beweger der langjährigen Christlich-Demokratischen Partei, war ein berüchtigter Hinterzimmermann, schlau und fast trotzig uncharismatisch. Berlusconi, ebenfalls ein Serienpremierminister, war voller Wut und Charme, für einige Italiener abstoßend schmierig und für andere endlos anziehend.

Weder Il Divo noch Loro sind ein konventionelles Biopic, und Sorrentino ist kein Realist. Diese Filme schwelgen im Theater der Macht, und Servillo gleicht in grotesk künstlichem Make-up manchmal einer Marionette oder einem politischen Cartoon. Er betont Andreottis Reptilientäuschung und heimliche Eitelkeit sowie Berlusconis Leichtfertigkeit und Selbstmitleid. Auch wenn Sie sich nicht mit der fadenscheinigen Überlieferung der italienischen Politik auskennen, können Sie die wilde komische Energie dieser Aufführungen und das moralische Feuer dahinter spüren. Das sind echte Leute! Diese Dinge – Morde, Bestechungen, Doppelgänger, Orgien – sind wirklich passiert!

Er macht die extravagante Menschlichkeit – und das tiefe Geheimnis – der Menschen lebendig, die leben, um die Welt ihrem Willen zu unterwerfen.

Aber was Servillo macht, ist mehr als nur überlegene Sketch-Comedy-Satire. Wie ein Shakespeare-Schauspieler, der in die Majestät und Monstrosität alter oder imaginärer Könige eintaucht, macht er die extravagante Menschlichkeit – und das tiefe Geheimnis – der Menschen lebendig, die leben, um die Welt ihrem Willen zu unterwerfen. Er fängt auch ihre Einsamkeit ein.

Loro streamen Hulu ; mieten oder kaufen Il Divo auf den wichtigsten Streaming-Plattformen.

6

Lied
Kang Ho

Von Bong Joon Ho

Der koreanische Schauspieler Song Kang Ho ist den meisten amerikanischen Zuschauern wahrscheinlich zum ersten Mal in dem Oscar-Gewinner für das beste Bild von 2020, Parasite, in der Rolle eines verarmten, hinterhältigen Patriarchen aufgefallen. Das war seine vierte Zusammenarbeit mit dem Regisseur Bong Joon Ho, und wir haben den Filmemacher gefragt, warum er den Star immer wieder besetzt hat.

Ich sah Song Kang Ho zum ersten Mal in Grüner Fisch, das Spielfilmdebüt des Regisseurs Lee Chang-dong. Er spielte einen ländlichen, kleinen Gangster, und seine Darstellung war so verblüffend realistisch, dass unter Regisseuren das Gerücht kursierte, er sei ein echter Schläger. Später erfuhr ich, dass er ein Schauspieler war, der schon lange in der Daehak-ro-Theaterszene aktiv war.

Obwohl ich damals erster Regieassistent und noch kein Regisseur war, wollte ich ihn kennenlernen. Also lud ich ihn 1997 auf einen Kaffee ins Büro ein. Es war eher ein lockeres Gespräch als ein Vorsprechen, aber ich konnte sehen, dass er das Zeug zum Moloch hatte.

Als ich meinen zweiten Film schrieb, Erinnerungen an Mord (2005) Ich hatte Song fest im Sinn, den Country-Detektiv zu spielen, der in seinen alten Gewohnheiten feststeckt und blind seinen Instinkten vertraut. Weil er für die Rolle geboren wurde und sie für ihn gemacht wurde.

[Ob in Memories of a Murder, The Host (2007), Snowpiercer (2014) oder Parasit ] es fühlt sich immer so an, als ob es eine neue Ebene zu entdecken geben würde. Er ist wie eine Leinwand, die wächst und wächst. Egal wie viele Pinselstriche ich aufwende, es gibt immer mehr Platz zum Malen. Ich bin immer noch gespannt, was er in eine Rolle einbringen wird. Für mich ist er wie eine unerschöpfliche Diamantenmine. Egal, ob ich vier oder 40 Filme mit ihm gemacht habe, ich weiß, dass ich einen neuen Charakter entdecken werde.

Er hat die Fähigkeit, jedem Moment Leben und Rohheit zu verleihen. Auch wenn eine Szene schwierige Dialoge oder eine hochtechnische Kameraführung beinhaltet, wird er einen Weg finden, sie nahtlos und spontan zu gestalten. Jeder Take wird anders sein, und der unhandlichste Dialog wird wie Improvisation erscheinen. Es ist erstaunlich und es ist eine Freude, es mitzuerleben.

Er hat die Fähigkeit, jedem Moment Leben und Rohheit zu verleihen.

Seine Einzigartigkeit als Protagonist kommt von seiner Alltäglichkeit und Alltäglichkeit. Besonders für das koreanische Publikum projiziert Song die Qualität des typischen koreanischen Arbeiters, eines Nachbarn oder Freundes, den Sie in Ihrer Nachbarschaft treffen könnten. Umso mehr sind sie fasziniert, wenn sie diesen scheinbar alltäglichen Charakter in Filmen wie The Host oder Parasite mit einem Monster oder einer monströsen Situation konfrontiert sehen.

Er geht vom Gewöhnlichen aus und erhebt es zu einer einzigartigen und unnachahmlichen Stimme. Ich glaube, das macht Song Kang Ho und die Charaktere, die er bewohnt, wirklich besonders.— Interview von Candice Frederick

Mieten oder kaufen Erinnerungen an Mord auf großen Streaming-Plattformen.

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5

Nicole Kidman

Von Manohla Dargis

Künstlerin, Prinzessin, Schriftstellerin, Muse – Nicole Kidman hat sie alle gespielt, mit kurzen Haaren und langem, einem erstaunlichen künstlichen Schnoz und einem fantastisch vorspringenden Kinn. Sie kann lächeln wie die Sonne und weinen mit so vielen Tränen, dass man ihr am liebsten eine Schachtel Taschentücher reichen möchte. Im Mainstream-Kino ist Realismus die Münze eines Schauspielers im Handel, eine ästhetische Entscheidung, die dazu beiträgt, Kunstfertigkeit in etwas wie Leben zu verwandeln. Für Kidman, eine Miniaturistin mit einem lapidaren Touch, bedeutet die Schaffung dieses Realismus manchmal, die Schönheit (für die Rolle, nicht für Auszeichnungen) zu verschleiern, die sie seit langem ausmacht. Es bedeutet auch, konsequent mit Weiblichkeit zu spielen.

Kidman betrat das 21. Jahrhundert auf dem Höhepunkt ihres Ruhms mit Rote Mühle! (2001). Es folgten eine Handvoll anderer hochkarätiger Fahrzeuge, vor allem Die Stunden (2002), in dem sie Virginia Woolf (Cue the schnoz) spielte und ihr einen Oscar verschaffte. Es war ein höfliches Gähnen eines Films, dem Kidman folgte, um in Lars von Triers zu spielen Dogville (2004), eine kalkulierende Brechtsche Übung, bei der ihre Figur, nachdem sie missbraucht wurde, eine Waffe in die Hand nimmt und dabei hilft, eine Stadt zu zerstören. Kidman schien das wirklich zu genießen.

Seitdem hat sie mehr als 40 Filme gedreht, von denen einige unvergesslich sind und eine Nummer, die man am besten vergisst. Wie die anderer Schauspielerinnen hat Kidmans Berühmtheit manchmal ihre Bankfähigkeit übertroffen und einen Ruhm geschaffen, der weniger mit der Kinokasse als mit einer sternenklaren Persönlichkeit zu tun hat, die von der Laufleistung auf dem roten Teppich und einer Flut von Modemagazin-Covern getragen wird. Einige Jahre kamen und gingen die Filme fast ohne Vorankündigung. Trotzdem arbeitete Kidman stetig weiter und erhöhte weiterhin vernachlässigbares Material und drängte sich selbst, wenn die Filme dies nicht taten. Sie hat auch viele Mütter gespielt, eine notwendige Überlebensstrategie in einer Welt, die so kreativ einfallslos ist wie die Filmindustrie.

Ein Vergnügen eines virtuosen Performers besteht darin, ihnen zuzusehen, wie sie sich über ihr Material erheben. Kidman hat dies wiederholt getan, auch in Geburt (2004), in dem sie eine Witwe spielt, die glaubt, ein 10-jähriger Junge sei die Reinkarnation ihres toten Mannes. Es ist anmaßendes Geschwätz, das Kidman mit Feinheit und Gefühlsnadeln ziert. Sie ist rundum glorreich in Der Papierjunge (2012), eine köstlich vulgäre Was ist es in dem sie eine männliche Showboat-Kohorte in den Schatten stellt, abwechselnd auf Zac Efron uriniert und ihre Strumpfhose in orgiastischer Raserei über John Cusack zerreißt.

Du kannst deine Augen nicht von ihr lassen. Du kannst es nie.

In jüngerer Zeit spielte Kidman in Zerstörer (2018), ein harter Thriller von Karyn Kusama über die lange Abwärtsspirale eines Detektivs. Kidman wird groß und brutal – schlägt und rennt und schießt und trinkt bis zum wilden Exzess –, um eine Ruine mittleren Alters zu spielen, deren schreckliche Entscheidungen in jede Falte und jeden Fleck in ihr hartes Gesicht eingraviert sind. Der Film floppte, vielleicht weil er für das heutige Publikum zu hässlich war oder vielleicht alles zu düster für eines der beliebtesten Covergirls des Vogue-Magazins schien. Aber Kidman ist brillant, kalt, roh und wahr. Auch wenn ihr Gesicht fast bis zur Unkenntlichkeit verdeckt ist, bleibt sie unbestreitbar. Du kannst deine Augen nicht von ihr lassen. Du kannst es nie.

Stream Destroyer an Hulu .

4

Keanu Reeves

Von A. O. Scott

Vielleicht sind Sie überrascht, Keanu Reeves so weit oben auf dieser Liste zu finden. Aber fragen Sie sich: Waren Sie schon einmal enttäuscht, als er in einem Film auftauchte? Können Sie einen Film nennen, der durch seine Anwesenheit nicht verbessert wurde? Die Rede ist hier von Ted Logan. Über Neo. John Wick. Diane Keatons Liebesinteresse an Etwas muss geben (2003). Ali Wongs ebenfalls laufendes Liebesinteresse – ein Typ namens Keanu Reeves! — in Sei immer mein Vielleicht (2019). Sicherlich gibt es keinen anderen Filmstar, der so viel Reichweite zeigt und dabei so irreduzibel und undurchschaubar er selbst bleibt.

Können Sie einen Film nennen, der durch seine Anwesenheit nicht verbessert wurde?

Aber er war seltsamerweise leicht zu unterschätzen. Wie so vieles in den 90er Jahren war die Wertschätzung von Keanu Reeves in den ersten Phasen seiner Karriere mit Ironie abgesichert. Es war zu einfach, sich über die leere, ernsthafte Verwirrung lustig zu machen, die seine Charaktere in Point Break, The Devil's Advocate und den Matrix-Filmen definierte, um ihre Leere auf ihn zu projizieren, um anzunehmen, dass seine stillen Gewässer flach liefen.

Er war jedoch immer in den Witz eingebunden. Und nie ganz im Scherz. Im mittleren Alter hat er ein neues Leistungsniveau erreicht, eine Zone, in der Kunstlosigkeit und Selbstbewusstsein zusammentreffen. Er ist einer unserer glaubwürdigsten Actionhelden und auch einer unserer einfallsreichsten und einfallsreichsten Charakterdarsteller. Er hat wunderbar überstanden und ist gleichzeitig trauriger und verspielter geworden, ohne die jenseitige Unschuld zu verlieren, die von Anfang an da war.

Ist der melancholische, lüsterne, hundeliebende Attentäter in den John Wick-Filmen ein Genre-Anhänger, ein Gehaltsscheck-Gig, ein Midlife-Action-Workout? Wahrscheinlich. Natürlich. Mit (sagen wir mal) Gerard Butler in der Titelrolle wären sie schicke, fiese Wegwerfartikel. Was Reeves tut, ist, dem Franchise mehr Schwerkraft zu verleihen, als es verdient, mehr Humor als es braucht und die Seele, die ihm sonst umfassend fehlt.

Eine der Freuden des Filmschauens in den letzten zehn Jahren war es, ihm in unerwarteten Gestalten zu begegnen. Als eine Art postapokalyptischer Kultführer, bekannt als der Traum in The Bad Batch, Ana Lily Amirpours krustiger dystopischer Fantasie aus dem Jahr 2017. Als Kreide für Winona Ryders Käse in Victor Levins rauer Anti-Rom-Com Hochzeit am Reiseziel (2018). Als Stimme einer Katze namens Keanu in Keanu (2016).

Der Mann hat mehr zu bieten als die Summe dieser Teile, die Rätsel und Koans sind, Kapitel in einem ständig aktualisierten Handbuch in der meta-modernen Filmstarre als eine Art zu sein. Er ist kein Perfektionist. Er ist die Perfektion selbst. Uns wurde vor langer Zeit gesagt, und jetzt können wir es vielleicht endlich glauben: Er ist der Eine.

Streamen oder ausleihen die John Wick-Filme und andere Reeves-Titel auf den wichtigsten Plattformen.

3

Daniel
Tag-Lewis

Von Manohla Dargis

Am Anfang von Es wird Blut sein (2007) schlägt ein Mann in einem tiefen, dunklen Loch rhythmisch mit einer Spitzhacke gegen die Wand, wobei Funken und Staub aufgewirbelt werden. Es ist so dunkel, dass man sein Gesicht nicht erkennen kann, aber sein blasses Hemd zieht die Blicke auf sich und lässt die Konturen seiner kräftigen Arme und ihrer maschinenhaften Bewegungen deutlich werden. Sie sehen ihn nur dann vollständig, wenn er seinen Kopf hebt, um in den Himmel zu schauen, wodurch Licht sein Gesicht durchflutet. Siehe, der Mann – siehe, Daniel Day-Lewis!

Es ist eine Einführung, die so ikonisch, charakterprägend und sternenbildend ist wie die von Rita Hayworth in Gilda. Es funktioniert auch als schöne Metapher für den sorgfältigen Akt des kreativen Prozesses von Day-Lewis, den Aufbau seiner Charaktere. Als Daniel Plainview spielt Day-Lewis nicht nur den Protagonisten; er gibt den Ideen und der Kunst des Filmemachers Paul Thomas Anderson menschliche Gestalt. Plainview ist vieles: Mensch, Maschine, ein schrecklicher Vater, ein raubgieriger Ölmann. Er ist auch die Manifestation der verderblichen Substanz – des Ölozeans –, die er der Erde gewaltsam entreißt.

Day-Lewis ist einer der am meisten verehrten Schauspieler des letzten halben Jahrhunderts, ein Ruf, der auf seiner schillernden Filmografie beruht und von einer Aura der Größe poliert wird, die fast mystische Ausmaße annimmt. Seine vielbeachteten Vorbereitungen für seine Rollen und sein Beharren darauf, während der Produktion im Charakter zu bleiben, sind legendär geworden, der Stoff für aufgeregte Schlagzeilen und Fan-Fetischismus. Seine wiederholten Ankündigungen in den Ruhestand haben seine Aura nur erweitert und damit auch seine Selektivität: Er hat in diesem Jahrhundert nur sechs Filme gedreht, einige Meisterwerke. Wie die exotische Jahrhundertpflanze, eine Agave, die nur einmal spektakulär blüht, versteht es Day-Lewis, uns zu necken und zu inszenieren.

Day-Lewis weiß, wie man uns neckt und eine Show abliefert.

Die Überlieferung, die sich um ihn herum aufgebaut hat, ist in gewisser Weise nur eine Version der Mythisierung aus der Method-Ära, die immer Teil der Erschaffung von Ruhm war. Was manchmal fehlt, ist das Lesen von mehr als 100 Büchern, um sich auf die Titelrolle von vorzubereiten Lincoln (2012) ist Arbeit, Teil der Vorbereitung eines Schauspielers. All diese Arbeit und diese Bücher erinnern daran, dass Schauspielerei auch ein Job ist, keine Magie, selbst wenn die Leistung eines Schauspielers scheint oder besser gesagt, fühlt sich alchemistisch. Ein Teil von Day-Lewis' Talent ist seine enorme Fähigkeit, harte Arbeit in einen Charakter zu verwandeln, der die Vision eines Regisseurs fließend erfüllt.

Von dieser Vision hängt viel ab. Und an dieser Stelle muss ich leider erwähnen Neun (2009) eine katastrophale Torheit, der Day-Lewis eifrig dient, aber nicht retten kann. In Kriminelle Organisationen von New York (2002), im Gegensatz dazu ist seine Leistung als Bill the Butcher die Apotheose der Ambitionen dieses Films, so dass das Bild stottert, wenn er nicht auf der Leinwand ist. Die Kunst von Day-Lewis ist eine der Osmose zwischen ihm und seinen Regisseuren. Und bis heute waren seine am besten gerenderten Performances in den beiden Filmen, die er mit Anderson gedreht hat, zuletzt Phantom Thread (2017), deren Schönheiten, Tiefen und Eigenheiten Day-Lewis absorbiert, transformiert und brillant bricht.

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2

Isabelle Huppert

MANOHLA DARGISFurchtlos und hypnotisierend, manchmal beängstigend, manchmal freakig, hat Isabelle Huppert im Laufe ihrer Karriere erstaunliche Rollen angenommen und sich mühelos von Tränen zu Schreien, von den direktesten Geschichten zu den herrlichsten Geschichten bewegt. Sie hat allein in diesem Jahrhundert in mehr als 50 Filmen mitgewirkt, ein Fleiß, der ihren Ehrgeiz und ihre Popularität ausdrückt, aber auch einen Heißhunger vermuten lässt, den man in ihrer Schauspielerei sehen kann. Ich liebe viele ihrer Auftritte, aber ich bin besonders fasziniert von ihren Monstern, von ihren schrecklichen, unsäglichen Frauen.

A. O. SCOTTHat jemand gesagt? Der Klavierlehrer ? Dieser Film von 2002 ist eine erschreckende Tour-de-Kraft der Lust, Grausamkeit, Masochismus und Musikalität. Die Titelfigur Erika Kohut wird von einer Schülerin besessen, und Huppert führt ihren Abstieg in den Wahnsinn mit eisiger Präzision und opernhafter Intensität vor. Haben wir Angst um sie oder haben wir Angst vor ihr?

Huppert ist ein Virtuose in dieser Art von Ambiguität, darin, die üblichen Codes über weibliche Verletzlichkeit und feministische Selbstbehauptung zu durchwühlen, Annahmen über die Quellen der Härte und Zerbrechlichkeit einer Frau zu trotzen. Eines meiner Lieblingsbeispiele ist in Claude Chabrols Komödie der Macht (2007), in dem sie eine Richterin spielt, die Korruption in Frankreichs politischer und geschäftlicher Elite ausmerzt und es mit einem stark verankerten Old-Boy-Netzwerk aufnimmt. Der Name der Figur ist Jeanne Charmant Killman, was ein wenig auf die Nase wirken mag, aber auch etwas von Hupperts anmutiger, tödlicher Anziehungskraft einfängt.

DARGISDie Rollen, die Huppert angeboten wurden und die sie gesucht hat, waren maßgeblich an ihrer Entstehung beteiligt. Und zu Beginn ihrer Karriere arbeitete sie mit Filmemachern zusammen – Jean-Luc Godard, Maurice Pialat und natürlich Chabrol – die ihr kreativen Raum gaben, um sich zu entfalten. Sie hätte niemals eine vergleichbare Karriere in amerikanischen Filmen machen können (ich schaudere bei der Vorstellung, dass sie bei Sundance debütierte), wo Charaktere selten mehrdeutig sind und oft von langweiligen Imperativen wie Zuordenbarkeit und Erlösung geprägt sind.

Huppert ist dafür bekannt, Extreme zu akzeptieren, obwohl ich dies als Interesse an der Fülle des Daseins sehe, einschließlich des Ekelhaften und des Tabus. Ihre Charaktere sprudeln über vor Leben, einige davon hässlich, wie in Sie (2016), Paul Verhoevens Provokation über Trauma und Psychose. Die Schauspielerin überrascht immer (ich vermute, dass sie sich sonst langweilen würde), aber hier, als Frau, die männlicher Gewalt konfrontiert ist, tut Huppert etwas, was in Filmen selten vorkommt: Sie schockiert. Mit zerreißendem Witz – ihr seltsames Lächeln macht sich über die Frömmigkeit des Publikums lustig – verwandelt sie das Geheimnis einer anderen Person in einen Thriller. Ich liebe es, dass sie mich zwingt, hinzusehen, auch wenn ich nicht will.

SCOTTHat jemand gesagt? Greta ? Das war ein blasser kleiner Thriller aus dem Jahr 2019, in dem Huppert eine Psycho-Mama-Stalkerin spielte, die eine College-Studentin mit taufrischen Augen, gespielt von Chloë Grace Moretz, jagte. Ich erwähne es nur, weil die Art von Mysterium, auf die Sie sich beziehen – die flüchtige Mischung aus Witz, Charme und Wille – diesen Film dominiert, den Huppert faszinierender macht, als er sein könnte. Lustiger und beängstigender.

Es gibt niemand anderes mit ihrer Kombination aus Intensität und Zurückhaltung. Dies kommt besonders in Filmen zum Ausdruck, in denen ihre Figur in einen totalen Kampf ums Überleben verwickelt ist, wie in Claire Denis Weißes Material (2010). Huppert spielt einen französischen Plantagenbesitzer, der in einem von Gewalt erschütterten afrikanischen Land an den letzten kolonialen Privilegien festhält. Sie weiß, dass ihr Leben in Gefahr ist, dass ihre Lebensweise entgleitet und dass sie ihr Schicksal im größeren historischen System durchaus verdienen kann. Hier gibt es kein Selbstmitleid und kaum Drama im herkömmlichen Sinne. Nur Nerven pur.

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Denzel Washington

A. O. SCOTTWir stritten und stritten über jeden anderen Slot auf der Liste, aber es gab kein Zögern oder Debatte über diesen.

Denzel Washington ist jenseits aller Kategorien: ein Leinwand-Titan, der auch ein subtiler und sensibler Handwerker ist, mit ernsthafter Bühnenausbildung der alten Schule und glühender Filmstar-Präsenz. Er kann Shakespeare und August Wilson, Schurken oder Action-Helden spielen. Er ist auch einer der besten regulären Schauspieler. Wer kann seine umkämpften Arbeitsstars vergessen in Nicht zu stoppen (2010) und The Taking of Pelham 123 (2009), zwei große, laute Zug-Themenfilme unter der Regie von Tony Scott? Keines davon ist ein Meisterwerk, aber ich werde nie müde, Washington bei der Arbeit zuzusehen.

MANOHLA DARGISEr lässt den Job – womit ich Schauspielerei meine – wie Atmen aussehen. Es gibt einen Grund, warum er als Easy Rawlins in Devil in a Blue Dress, einer frühen prägenden Rolle, perfekt war. Seitdem hat er viele Charaktere gespielt, die Recht oder Kriminalität verkörpern, und einige, die in dem Raum existieren, der die beiden trennt. Auf seinem Weg ist er zum dominierenden Totem einer bestimmten Art männlicher Autorität geworden, wie vor ihm John Wayne und Clint Eastwood. Washington kann ängstliche Verletzlichkeit ausdrücken, aber er kann sich wie ein Koloss über Welten erheben wie ein Patriarch des Alten Testaments – es ist außergewöhnlich angesichts der Darstellungen der schwarzen Männlichkeit auf dem Bildschirm vor nicht allzu langer Zeit.

SCOTTDiese Autorität ist glaubwürdig, selbst wenn die Filme … weniger sind. Das Buch des Eli (2010)? Der Equalizer (2014)? Mann in Flammen (2004)? Eines der Dinge, die ich an ihm am meisten liebe, ist, wie großartig er Männer spielt, die anscheinend keine Liebe brauchen oder sogar verdienen. Denken Sie an Whip Whitaker in Flug (2012), ein außerordentlich geschickter Fluglinienpilot, der auch ein episches Zugwrack ist. Kein netter Kerl, aber ein so umfassender, komplexer und lebendiger Mensch, wie man ihn jemals auf einer Kinoleinwand sehen wird.

DARGISWie bei allen Stars fühlt sich Washingtons Schauspiel mit seinem Charisma untrennbar an, eine Kombination, die verführerisch ist, aber Filme wie Antoine Fuquas gewalttätiger Potboiler überwältigen kann Trainingstag (2001). Washington ist als schlechter Detektiv sensationell: Er ist locker, sexy, beängstigend, aber so viel größer als das Leben, dass er den Film verkleinert. In Flight vertieft sein Magnetismus die Tragödie seines Charakters; es gibt seinem Gang-Pracht, aber es ist auch Teil seiner bröckelnden Fassade. Nur wenige Rollen geben Washington so viel zum Arbeiten, sicherlich nicht die Filme mit zwei seiner Lieblingsregisseure, Fuqua und Scott, die viel Aufruhr erzeugen, in die sich Washington einlässt – und sich sehr bequem zentriert.

SCOTTEin Maßstab für seine Mächtigkeit ist vielleicht, wie konsequent er besser ist als die Filme, in denen er mitspielt. Inmitten der umfangreichen Reihe exzellenter Arbeit – der Trainer und Polizisten, der Gangster und Anwälte – gibt es ein paar Denkmäler, die dieses überragende Talent in vollem Umfang zeigen. Malcolm X ist einer und Troy Maxson in Fences (2016) ist ein anderer. Es gibt so viel Schmerz und Stolz in dieser Aufführung, die irgendwie das Gewicht des amerikanischen Rassismus auf Körper und Seele einer einzelnen Person misst, ohne diese Person zu einem Symbol für irgendetwas zu machen. Die Art und Weise, wie Washington diesen Film betritt, seine Schultern von der Kraft eines Sportlers schwingen, sein Körper von lebenslanger Mühe verbeult, ist ein Moment purer fleischlicher Beredsamkeit, der von dem Strom der volkstümlichen Poesie, der aus seinem Mund kommt, gepaart wird.

DARGISNun, die Überwindung Ihres Films ist seit langem ein Markenzeichen von echtem Starruhm! Schauspieler wählen Rollen aus allen möglichen Gründen – Alter, Zeitplan, Geschmack, Komfort, Bezahlung – und Rassenfragen, immer. Washington spielt gerne zielorientierte Charaktere und Männer, die einen ernsthaften Eindruck hinterlassen, mit einer Waffe, körperlichen Extremen oder Worten. Er geht gerne groß. Er könnte Kunstfilme und provokative kleine Indies machen, tut es aber nicht. Vielleicht ist er nicht interessiert; das muss er bestimmt nicht. Immerhin ist er Denzel Washington, ein Star, dessen Karriere – in ihrer Langlebigkeit und Dominanz – ein Korrektiv und Tadel für die rassistische Industrie ist, in der er arbeitet. Ich kann mir vorstellen, dass er genau das macht, was er will.

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BILDER 25: IFC-Filme; 24: Kino Lorber; 23: A24; 22: Larry Horricks/20th Century Fox; 21: Warner Bros. (Tänzerin im Dunkeln); Bac Films (Eine Weihnachtsgeschichte); Fokusfunktionen (8 Frauen); Mandarin-Filme (Potiche); 20: Warner Bros. (Just Mercy); Steve Dietl/Netflix (Mudbound); 19: Entertainment Studios Motion Pictures, über Photofest; 18: Lily Gavin/CBS-Filme; 17: Neon; 16: Amazon Studios/Magnolia Pictures; 15: Matt Kennedy/Marvel, Disney; Barry Wetcher/Warner Bros.; Ron Koeberer/Weinstein Company; 14: Alison Rosa/CBS-Filme; 13: Magnolienbilder (Julia); Alessio Bolzoni/Amazon Studios (Suspiria); Warner Bros. (Michael Clayton); Kimberly Französisch/Netflix (Okja); 12: Anne Joyce/Weinstein Company (Der Einwanderer); Anne Joyce/Columbia Pictures (Wir besitzen die Nacht); Barry Wetcher/Miramax-Filme (The Yards); 11: Fokusfunktionen, über Photofest; 10: Merrick Morton/A24; Merie Wallace/A24; 9: Überragende Bilder; 8: Cohen-Mediengruppe; 7: Gianni Fiorito/Music Box Films, MPI Mediengruppe; 6: Magnolienbilder (Der Gastgeber); CJ Entertainment (Erinnerungen an Mord); Neon (Parasit); 5: Anne Marie Fox/Millennium Entertainment; 4: David Lee/Lionsgate; 3: Melinda Sue Gordon/Paramount Vantage; 2: Kino International; 1: Überragende Bilder (Flug); Robert Zuckerman/Warner Brothers (Trainingstag); Rico Torres/Columbia Pictures (Die Einnahme von Pelham 1 2 3); Scott Garfield/Columbia Pictures (Der Equalizer)
Entwurf von Gabriel Gianordoli.
Produziert von Alicia DeSantis, Stephanie Goodman, Jolie Ruben und Josephine Sedgwick.

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