8 Preisträger der Filmfestspiele von Cannes, die wir lieben (und 3, die wir nicht tun)
Ungefähr jetzt würde die Festivaljury ihre Entscheidungen abwägen. So haben unsere Kritiker Highlights aus mehr als 70 Jahren Festivalruhm sowie einige weniger herausragende Preisträger herausgegriffen.
Am Ende jedes Filmfestivals von Cannes urteilen Filmjurys über die Wettbewerbsfilme. Der Name des Hauptpreises hat sich im Laufe der Zeit geändert – von Palme d’Or zu Grand Prix und wieder zurück – aber zu den Gewinnern gehören eine Reihe moderner Klassiker.
Die diesjährigen Preise wären am Samstag bekannt gegeben worden, aber das Festival wurde wegen der Pandemie abgesagt. Stattdessen haben unsere Hauptkritiker Manohla Dargis und A.O. Scott, haben einige ihrer Favoriten ausgewählt und einige, die nicht ganz so hell leuchten.
Bravo!
„Offene Stadt Rom“
Regie Roberto Rossellini, 1946
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Als Cannes nach dem Zweiten Weltkrieg gegründet wurde, verlieh es 11 Hauptpreise, eine Geste der Ermutigung an die Kunstform und ihre Praktizierenden. Unter ihnen war Roberto Rossellini, der unter Mussolini ein Veteran der italienischen Filmindustrie war und ein grobes Epos beisteuerte, das die Kämpfe des antifaschistischen Widerstands feierte.
In Rom kurz nach dem Ende der deutschen Besatzung gedreht, war Rome Open City ein frühes, entscheidendes Beispiel des Neorealismus. Es verwendete Filmmaterial, reale Schauplätze und eine Besetzung, die viele Laiendarsteller (sowie die großartige Anna Magnani) umfasste. Teils Thriller, teils Dokumentarfilm, teils Manifest für seine Wärme, seinen Humor und seinen uneingeschränkten Humanismus. (A. O. Scott)
'Der dritte Mann'
Carol Reed, 1949
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Der Dritte Mann hängt an einem schlüpfrigen Mysterium namens Harry Lime, denkwürdig gespielt von einem kaum gesehenen Orson Welles. Vollgestopft mit finsteren Schatten, zwielichtigen Charakteren und schrägen Winkeln, spielt es im von Trümmern übersäten Nachkriegs-Wien und eröffnet direkt nach dem angeblichen Tod von Lime. Graham Greene kritzelte den Anfang der Geschichte auf einen Umschlag – ich hatte Harry vor einer Woche zum letzten Mal Lebewohl gesagt, als sein Sarg in den gefrorenen Februarboden gesenkt wurde. Die britische Regisseurin Carol Reed hat sich viele Tipps von Welles geholt, der für dieses Meisterwerk seine eigenen Dialoge geschrieben hat. (Manohla Dargis)
'Das süße Leben'
Federico Fellini, 1960
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Natürlich ein Film, in dem Fotografen Filmstars verfolgen, Filmstars sich in der Öffentlichkeit schlecht benehmen und Journalisten von Party zu Party huschen und so tun, als ob sie Arbeit machen, würde in Cannes triumphieren. Von allen Preisträgern des Festivals im Laufe der Jahre mag dieser dem Geist von Cannes selbst am nächsten kommen, zumindest wie es manchmal von außen erscheint. Kritiker diskutieren weiterhin über die Bedeutung von La Dolce Vita – Satire oder Tragödie? Diagnose oder Symptom? Meisterwerk oder Torheit? – und Fellini selbst war immer schüchtern in Bezug auf seine Absichten. Aber nichts ist vergleichbar mit der Erfahrung, Marcello Mastroianni durch ein Inferno romantischen Scheiterns und ein Fegefeuer ethischer Kompromisse zu folgen, das auch ein Paradies für Filmliebhaber ist. (A.O.S.)
'Der Leopard'
Luchino Visconti, 1963
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In den 1960er und 1970er Jahren war internationales Casting eine italienische Spezialität, als Filmemacher Ensembles von Filmstars beschworen, um die Leinwand zu erleuchten und ihre Stimmen in der Postproduktion zu synchronisieren. Für seine opulente, opernhafte, dreistündige Adaption von Giuseppe di Lampedusas Roman brachte Visconti den französischen Frauenschwarm Alain Delon (der Star von Viscontis früher Rocco und seine Brüder ), die italienische Diva Claudia Cardinale und den mächtigen Burt Lancaster. Ihre polyglotte Ausstrahlung schmälert nicht den Realismus dieses Dramas, das in der Mitte des 19. Jahrhunderts auf Sizilien spielt, sondern vertieft irgendwie seine historische Resonanz. Die Ambivalenz, die mit Veränderungen einhergeht, hat sich selten so durchdringend angefühlt. (A.O.S.)
Die Regenschirme von Cherbourg
Jacques Demy, 1964
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Wenn Geneviève (Catherine Deneuve) in Jacques Demys Musical The Umbrellas of Cherbourg ihrem Liebsten I love you sagt, liefert sie nicht einfach die Zeile – sie singt sie. Und weil Guy (Nino Castelnuovo) Werkstattmechaniker ist, fügt sie hinzu: Du riechst nach Benzin. Darauf antwortet er fröhlich: Es ist ein Parfüm wie jedes andere. Es ist eine lustige und süße Note in einem Film, der Sie mit seinem Charme, seiner knalligen Palette und der erhabenen Filmmusik von Michel Legrand verführt. Was mich jedoch jedes Mal erfreut und zerstört, wenn ich es sehe und eine Gänsehaut auf meinen Armen auslöst, ist seine unbefangene emotionale Aufrichtigkeit. Nur im Film sterben Menschen an Liebe, jemand singt – und manchmal bricht auch das Herz anderer Menschen beim Anschauen. (MD)
Die Unterhaltung
Francis Ford Coppola, 1974
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The Conversation wird tendenziell als Mystery-Thriller eingestuft, ist aber auch ein der Epoche angemessener Horror-Freakout, wie ein erschreckendes Gurgeln von Blut unterstreicht. In seiner New York Times-Rezension traf Vincent Canby das Gruselige, als er seinen Protagonisten – einen emotional eingesperrten Überwachungsexperten, gespielt von einem brillanten Gene Hackman – als das Äquivalent der verrückten Ärzte in altmodischen Vincent Price-Filmen der verklemmten Watergate-Ära bezeichnete. Geschrieben, produziert und inszeniert von Francis Ford Coppola, gewann The Conversation beim Festival im Mai 1974 höchste Auszeichnungen, im selben Monat, in dem der Justizausschuss des Senats für die Aufnahme von Anhörungen zur Watergate-Vertuschung stimmte. (MD)
'Das Kind'
Jean-Pierre und Luc Dardenne, 2005
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Die Dardenne-Brüder, die standhaft in ihrem Engagement für die Darstellung des Arbeiterlebens in den Industriestädten des französischsprachigen Belgiens sind, sind zu einem festen Bestandteil der Preisverleihungen in Cannes geworden. Ihre erste Palme d’Or, für Rosetta im Jahr 1999 Sie sorgte vor allem bei Hollywood-Spielern, die sich mehr Liebe von der Jury erwarteten, für einen kleinen Aufschrei. Als L’Enfant sechs Jahre später gewann, gab es kaum einen Hauch von Klage. Eine Fabel über Geld, Engagement und die Schwierigkeit, sich in einer Welt, die von darwinistischer Konkurrenz und konsumistischer Ablenkung geprägt ist, anständig zu verhalten, ist der Film einfach, spannend und erschütternd. Es wird durch Jérémie Reniers schlaue, naturalistische Darstellung als junger Mann verankert, der nicht weiß, dass seine Flucht vor der Verantwortung auch eine Reise in Richtung Anmut ist. (A.O.S.)
„Ladendiebe“
Hirokazu Kore-eda, 2018
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Eines der Vergnügen, Cannes zu besuchen, besteht darin, Filme anzusehen, bevor sie wiederholt in den Medien-Hopper eingespeist werden. Ich habe Hirokazu Kore-edas Ladendiebe – eine heikle, verheerende Familiengeschichte – bei der Ausgabe 2018 gesehen. Es war ein großartiges Jahr, mit Burning und Happy als Lazzaro unter den anderen Kritikern im Hauptwettbewerb. Die Jury unter der Leitung von Cate Blanchett verlieh Shoplifters die Palme, womit Kore-eda der erste japanische Regisseur seit mehr als zwei Jahrzehnten ist, der den Preis gewonnen hat. (MD)
Buh!
„Wild im Herzen“
David Lynch, 1990
„Barton Fink“
Joel und Ethan Coen, 1991
Drei meiner Lieblingsfilmemacher; zwei ihrer schlechtesten Filme. Nicht @ mich. (A.O.S.)
'Blau ist die wärmste Farbe'
Abdellatif Kechiche, 2013
In Cannes fast überall verehrt, Abdellatif Kechiches Blau ist die wärmste Farbe ist vielleicht nicht der schlechteste Film, der auf dem Festival gespielt wird (er hatte viel Konkurrenz). Trotzdem mag ich es zutiefst nicht, abgeschreckt von seiner dribbeligen Kameraführung und dem zügellosen Geschichtenerzählen. Meistens lehne ich es ab, wie es über seine weiblichen Liebhaber sabbert und sie zu einem ausbeuterischen Spektakel macht, das lange Zeit die Darstellung von Frauen definiert und ihre Rolle in der Kunst eingeschränkt hat. (PS. Ich liebe Barton Fink.) (M.D.)
