In Rossellinis Kriegsfilmen überlebt der Naturalismus

Unmittelbar nach dem Zweiten Weltkrieg drehte Roberto Rossellini drei Filme, die den Grundstein für das moderne Kino legten: Rome Open City (1945), Paisan (1946) und Germany Year Zero (1948). Es ist fast unmöglich, die Bedeutung dieser Filme zu unterschätzen, sowohl für den Einfluss, den ihr verblüffender Realismus auf das Publikum und die Filmemacher dieser Zeit hatte, als auch für den Einfluss, den sie weiterhin auf die Regisseure ausüben.
Andrea Arnolds aktuelles Fish Tank ist nur das jüngste Beispiel für eine Arbeit, die weiterhin auf Rossellinis offenem, beobachtendem Ansatz zurückgreift, der Location-Filme mit Studio-Sets vermischt, professionelle Schauspieler mit Amateuren, die Variationen über sich selbst spielen, und Drehbücher, die nicht in Stein gemeißelt sind , Hollywood-Stil, aber im Vorfeld aufgeraut und auf der Stelle improvisiert. Immer wenn wir einen Film von François Truffaut (The 400 Blows wurde direkt von Deutschland Year Zero inspiriert), John Cassavetes oder Mike Leigh sehen, erleben wir in gewisser Weise Rossellinis Vision, seine Entschlossenheit, formale und stilistische Verfeinerungen beiseite zu lassen und in die Herz seines menschlichen Materials, im Handumdrehen mit all seiner Rohheit und Komplexität eingefangen.
Doch seit Jahrzehnten ist es unmöglich, Rossellinis Kriegstrilogie, wie die Filme genannt werden, in einem anständigen Zustand zu sehen. Alles, was wir hatten, waren hässliche Duplikate, hergestellt aus beschädigten, schmutzigen Abzügen, die viele Generationen von den Originalnegativen entfernt waren, und im Fall von Germany Year Zero, mit Schauspielern, die in eine andere Sprache synchronisiert wurden.
Deshalb bin ich der Criterion Collection für ihre neueste Veröffentlichung besonders dankbar. Roberto Rossellinis War Trilogy auf drei CDs nutzt photochemische und digitale Techniken, um diese Meisterwerke zurückzugewinnen, Flecken und Kratzer zu entfernen (allein Paisan wurden mehr als 265.000 einzelne Korrekturen von Hand aufgetragen) und die Definition und den Kontrast erheblich zu verbessern. Germany Year Zero wurde mit seinen originalen deutschsprachigen Dialogen überarbeitet (obwohl die Disc auch die Eröffnung der italienisch synchronisierten Version mit einer anderen Einführung enthält), und die Soundtracks aller drei Filme wurden von Knallen und Zischen befreit.
Klugerweise gab es keinen Versuch, diese Filme makellos aussehen zu lassen. Viele Mängel sind immer noch sichtbar (wie sie wahrscheinlich in den ursprünglichen Release-Prints waren) und die Körnigkeit des Bildes wurde beibehalten. Dies alles ganz im Sinne von Rossellini, der die technische Perfektion für eine kleine Tugend hielt, verglichen mit der Wärme und Spontaneität, die man einfangen konnte, wenn man die Technik wegwarf.
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Am Anfang mag er kaum eine Wahl gehabt haben. Obwohl seine ersten drei Filme ?? alle Propagandafeatures mit Unterstützung des faschistischen Regimes ?? Rossellini beim Experimentieren mit Location-Shootings und Laiendarstellern vorfindet, kommt seine Art erst richtig zur Geltung, bis Rome Open City im Chaos und der Verzweiflung eines Roms gefilmt wurde, das kürzlich von alliierten Streitkräften befreit wurde. Mit ausgedienten Filmmaterial, einem im Erdgeschoss eines Bordells improvisierten Studio und Strom aus den nahe gelegenen Büros von Stars and Stripes, der Zeitung des US-Militärs, bauten Rossellini und seine Kollegen eine Geschichte des italienischen Widerstands unter den Nazis zusammen Besetzung.
Es ist schwer zu unterschätzen, welche Wirkung Rome Open City hatte, als es 1946 in New York ankam, wo es das erste Publikum mit der Wirkung eines Dokumentarfilms beeindruckte. Das italienische Publikum wusste es besser, schon weil es den beliebten Komiker Aldo Fabrizi als Priester, der den kommunistischen Untergrundkräften hilft, und den Music-Hall-Star Anna Magnani, die Pina, die schwangere Witwe spielt, erkennen konnte ?? und die Verkörperung der römischen Körnung ?? in den Konflikt verwickelt. Aber seine Wirkung war die eines rohen Stücks der Realität, etwas, das man seit dem allgemeinen Rückzug von der Straße ins Studio in den späten 1910er Jahren selten in den Filmen gesehen hatte.
Paisan, ein komplexerer und ehrgeizigerer Film, erzählt die Geschichte des Feldzugs der Alliierten in Italien in sechs separaten Episoden, beginnend im Süden mit der Landung auf Sizilien und endend mit einem letzten Konflikt zwischen deutschen Truppen und italienischen Partisanen, unterstützt von American OSS Agenten, im sumpfigen Delta des nördlichen Po. Rossellini drückte oft eine Abneigung gegen die Form aus, aber irgendwie erwarb Paisan (mit seiner Batterie von Schriftstellern, darunter Sergio Amidei, Klaus Mann und Federico Fellini) ein ausgeklügeltes Netz von Wechselbeziehungen zwischen den Episoden ?? thematische Parallelen (Schwierigkeiten der Kommunikation, über Sprachen und Kulturen hinweg), räumliche Beziehungen (die Zickzack-Route des alliierten Feldzuges spiegelt sich in den zerklüfteten Reiserouten von Charakteren wider, die verschiedene Kriegsgebiete durchqueren) und dramatische Mittel. (Die meisten Episoden enden damit, dass Charaktere ihre Verbindungen zu der großen Masse der Menschheit, die sie umkreist, annehmen oder ablehnen.)
Deutschland Year Zero rückt weiter nach Norden vor, nach Berlin, wo Rossellini eine noch verwüstetere Stadt als Rom entdeckt, in der es noch viel verzweifeltere Menschen gibt. So schwierig es zur Zeit der Dreharbeiten auch gewesen sein mag, Rossellini bemüht sich, das deutsche Volk mit Fairness und Mitgefühl zu beobachten. Sein Protagonist, ein 12-jähriger Junge (Edmund Meschke, ein Laien-Rossellini, der aus einer Zirkusartistenfamilie rekrutiert wurde) ist zugleich ein Symbol des Reiches (er wäre 1934 geboren, in dem Jahr, in dem Hitler seinen Titel als Führer annahm ) und ein Opfer davon. Sein Zuhause, eine enge Wohnung ohne Strom, teilt er sich mit seinem kranken Vater, einem älteren Bruder, der bis zuletzt für den Führer gekämpft hat, und einer Schwester, die in die Prostitution abrutscht, um Geld nach Hause zu bringen.
Als ein ehemaliger Lehrer Edmund vorschlägt, dass es seiner Familie ohne seinen sozial nutzlos kränkelnden Vater besser gehen könnte, nimmt sich der Junge pflichtbewusst diese rückständige Nazi-Ideologie zu Herzen und vergiftet den alten Mann. In der außergewöhnlichen Schlusssequenz des Films streift das Kind durch die Straßen, die Kamera folgt ihm, manchmal scheint es unter seiner Schuldlast zu versinken, manchmal so unbekümmert wie ein Junge an einem sonnigen Nachmittag. Er klettert in ein dezimiertes Gebäude, und nachdem er mit einem zerbrochenen Rohr wie mit einer Pistole gespielt hat und einen eingestürzten Träger wie eine Spielplatzrutsche hinunterrutscht, dreht er sich um und geht teilnahmslos von einem offenen Sims und stürzt in die Leere.
Rossellini widmete das Deutschlandjahr Null seinem kleinen Sohn Romano, der vor Beginn der Dreharbeiten an einem Blinddarmriss gestorben war. Der Akt, seinen eigenen unschuldigen Sohn mit dem jugendlichen Mörder des Deutschland-Jahres Null zu identifizieren, lässt auf Rossellinis außergewöhnliche Zivilcourage schließen, die Fähigkeit, eine gemeinsame Menschheit in den unterschiedlichsten Figuren zu sehen, Trauer zu finden, wo so viele andere nur hatten, und verständlicherweise fand Entsetzen und Abscheu.
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Beginnend mit seinem nächsten Film, Stromboli (1950), ging Rossellini tiefer in die römisch-katholische Theologie ein, die seinen Überzeugungen zugrunde lag, und erforschte Vorstellungen von Mitgefühl, Engagement und Akzeptanz der Welt in ihren schrecklichen und glorreichen Widersprüchen. Aber das ist ein Thema für einen anderen Tag und hoffentlich für einen zukünftigen Teil der Rossellini-Sammlung von Criterion. (Kriteriumssammlung, $79,95, nicht bewertet)
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