The Velvet Underground trifft sein Spiel in Todd Haynes
In den Händen des Regisseurs geht es bei Musikthemen ebenso um ihren kulturellen Moment wie um ihren Sound – eine gute Beschreibung der Band um Lou Reed.
Video
Todd Haynes neuer Dokumentarfilm, Der Samtuntergrund, beschwört die Essenz dieser Band, indem es eine Augenweide ist. Der Bildschirm wird fast ständig in in sich geschlossene Bilder zerlegt, die miteinander im Gespräch sind und manchmal eine schwindelerregende Reizüberflutung erzeugen. Einige der auffälligsten Szenen verwenden Bilder von Andy Warhol, der eine entscheidende Rolle im Leben und in der Kunst der Band spielte.
Wir haben zweieinhalb Stunden Bewegtbild für einen zweistündigen Film lizenziert, sagte Haynes lachend, und ich glaube, 45 Minuten davon sind wahrscheinlich allein Warhol-Filme.
Eine Klangwelt hervorzurufen, indem man sich stark auf Visuals verlässt, mag sich nicht intuitiv anfühlen, aber Haynes, 60, ist nie dem vorhersehbaren Weg gefolgt. Sein Spielfilmdebüt 1991, Gift, war ein Dreh- und Angelpunkt dieser Zeit Neues queeres Kino Bewegung, und seitdem hat er einen hartnäckigen unabhängigen Ader beibehalten, vom vorausschauenden psychologischen Horror von Safe (1995) bis zur üppigen lesbischen Romantik von Carol (2015).
Haynes’ Queering ist besonders effektiv in musikzentrierten Filmen, einem Feld, das oft von einem heterosexuellen Standpunkt dominiert wurde.
1987 trat er mit dem 43-minütigen Biopic auf die Bühne Superstar: Die Karen Carpenter-Geschichte, die mit Puppen gegossen wurde. 2007 drehte er I’m Not There mit sechs Schauspielern, darunter Cate Blanchett, die Bob Dylan spielt, oder zumindest Versionen von Dylan. Sogar Haynes' Beitrag zum HBO-Omnibus Six von Sondheim (2013) ging von der Konvention ab: Während eine ältere Darstellerin normalerweise die Follies-Nummer handhabt Ich bin noch da, er ließ den ehemaligen Pulp-Frontmann Jarvis Cocker zu einem schwach beleuchteten Kabarett voller Frauen singen, eine saubere Umkehrung des männlichen Blicks.
Die Art von Themen, über die ich Filme machen möchte, sind nicht nur die Musik, die ich liebe, sagte Haynes. Es geht um kulturelle Momente, in denen der Künstler oder das Musikgenre Dinge verändert oder Veränderungen in der Kultur widerspiegelt. Oder sie stellen ein Beispiel für ein einzigartiges – und normalerweise in meinem Kopf radikales – Experiment auf, bei dem es dem Künstler gelingt, mit Vorstellungen von Identität durch Musik und Performance zu spielen.
Bild
Kredit...Nat Finkelstein/Apple TV+
The Velvet Underground, das äußerst einflussreiche Quartett der 1960er und 70er Jahre unter der Leitung von Lou Reed, ist ein perfektes Beispiel für diesen Zusammenfluss. Das Problem ist, dass die Band im Gegensatz zu den Beatles nicht viel Filmmaterial hinterlassen hat. Haynes hat dieses Handicap in einen künstlerischen Vorteil verwandelt, indem er heraus- statt hineingezoomt hat. Ich habe sofort entschieden, dass ich mich auf die Zeit und den Ort in New York City konzentrieren wollte, sagte er.
Da die Musiker alle schon früh in Warhols Orbit gezogen wurden, sprach Haynes mit einfühlsamen Mitgliedern des Künstlerkreises wie der Schauspielerin Mary Woronov und der Kritikerin Amy Taubin. Bezeichnenderweise ist einer der überzeugendsten Zeugen Jonas Mekas, der Kurator und Experimentalfilmer, der 2019 kurz vor seinem Tod interviewt wurde.
Haynes sagte, dass ich bei seinen musikbezogenen Projekten immer versuche, filmische Parallelen oder stilistische Traditionen zu finden, die entweder für die Zeit oder den Geist, das Ethos der Musik relevant sind. Und in diesem Dokumentarfilm hatte ich mir quasi auf einem Teller dieses Avantgarde-Kino gereicht, das so untrennbar mit der Geschichte des Velvet Underground verbunden ist.
Dieser Ansatz ist ein Markenzeichen von Haynes' Musikwerk. Er betrachtet verschiedene Medien nicht als getrennte Einheiten, sondern versucht, sie miteinander zu integrieren und diese Synthese aus Musik, Kunst und Philosophie zu schaffen, sagte Michael Stipe, der ehemalige R.E.M. Frontmann, der als ausführender Produzent bei Samt Goldmine, Haynes' Feature aus dem Jahr 1998 über die Glam-Rock-Szene. Denn am Ende des Tages ist er wirklich ein Philosoph, fuhr Stipe fort.
John Cale von The Velvet Underground, der zusammen mit seiner Bandkollegin Maureen Tucker am Film teilnahm, war mit der Arbeit des Regisseurs vertraut und vertraute darauf, dass das Erbe der Band in den richtigen Händen war. Ich wusste, wenn jemand die historischen Artefakte zusammentragen und zum Leben erwecken könnte, dann war es Todd, sagte Cale in einer E-Mail. Seine Fähigkeit, Emotionen aus Stills und Ephemera zu ziehen, ist ein weiterer Beweis für sein wahres Verständnis dafür, wer wir waren und was wir in dieser Welt hinterlassen wollten. (Das dritte überlebende Mitglied der Band, Doug Yule, lehnte es ab, an dem Film teilzunehmen.)
Cales Hinweis auf Emotionen berührt eine wichtige Eigenschaft von Haynes. In Interviews spricht der Regisseur in berauschenden, absatzlangen Sätzen, die auf ein abstraktes, vielleicht distanziertes Werk schließen lassen. Aber seine formal strengen Filme werden von stürmischen Gefühlen und Emotionen durchwühlt. Wenn Superstar – der wegen einer Unterlassungsverfügung der Musikrechteinhaber nicht kommerziell gezeigt werden kann – Kult hat, dann nicht wegen seines Gimmicks, sondern weil es so unerwartet wirkt.
Bei diesem Projekt habe ich darüber nachgedacht, wie man einen Film machen könnte, der den Konventionen der Erzählung so eng folgt, dass das Publikum emotional gefangen ist, sagte Haynes. Aber es wäre nicht, weil ein Schauspieler diese Dinge tut – es wäre eine Puppe.
BildKredit...Peter Mountain/Miramax-Filme
Er hat die Bildung (und Transformation) von Identität in seiner musikbezogenen Arbeit erforscht, aber auch das Fandom und die damit verbundenen erhöhten Erwartungen. Haynes war sich dieser Hoffnungen immer sehr bewusst – vor allem, wenn sie auf Gender und Sexualität basieren, ein Bereich, in dem Rock gleichzeitig bahnbrechend und rückschrittlich war.
Vielleicht ziehen die Musiker in Haynes Filmen deshalb hitzige Reaktionen von realen Zuschauern und anderen Charakteren auf sich. Die Carpenters wurden immer noch als Milquetoast-Softrock für Mädchen und Hausfrauen verspottet, als Superstar herauskam, und der Film trug zu einer kritischen Neubewertung des Duos in den frühen 1990er Jahren bei. Bewunderung und Ablehnung, die teilweise auf dem Durcheinander der Geschlechterrollen beruhen, spielen in Velvet Goldmine eine herausragende Rolle durch die knorrige Beziehung zwischen einem Journalisten und zwei extravaganten Rockern – einer inspiriert von David Bowie und der andere eine Mischung aus Iggy Pop und Lou Reed.
Es wäre schwer, eine kompliziertere Figur zu finden als Reed, der 1970 Velvet Underground verließ und die fruchtbare Solokarriere begann, die in Velvet Goldmine beschworen wurde. Er war die Art von wild kreativer, quirliger Figur, die für Dokumentarfilmer Katzenminze ist, und er ist überall im neuen Film: eine Stimme, die entweder singt oder in Interviews gehört wird; ein nicht lächelndes Gesicht, das uns anstarrt; manchmal fühlte sich eine Präsenz mehr an als gesehen.
Und doch bleibt der 2013 verstorbene Reed auch nach diesen zwei Stunden ein Rätsel, ähnlich wie Velvet Underground selbst. Haynes forderte weder Kritiker noch Historiker auf, Theorien zu wagen oder die Bedeutung der Band zu erklären, und am nächsten kommen wir einer musikwissenschaftlichen Analyse von dem exzentrischen Velvets-Schützling Jonathan Richman.
Haynes sagte, dies sei alles beabsichtigt. Es gibt Generationen von Leuten, die einem sagen könnten, wie großartig die Velvet Underground sind, wie wichtig sie für meine Karriere als Musiker oder meine Karriere als Künstler oder was auch immer waren, sagte Haynes. Aber ich dachte: ‚Wo hörst du auf? Ich will keinen Film, der dir sagt, wie toll die Band ist: Ich will einen Film, der dir zeigt, wie toll sie sind, und dann Sie finde das heraus.’
